Arte posmoderno

 

 

Fuente | Javier Gómez | Jot Down

Fragmentación del discurso y narración débil: el posmodernismo tiene que morir

 

 

Fuente | FranRoyo94Ghost Guild Window (05/06/2016)

Entrevista a Avelina Lesper acerca del arte, 2013

Sonríe, son 20 millones por Avelina Léster

 

 

 

 

 

Fuente | Avelina Lésper | El Semanario (02/01/2014)

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Maurizio Cattelan ya ha utilizado en diferentes ocasiones a caballos disecados que ubica, colgados o empotrados, en determinadas exposiciones (performances, instalaciones, etc)

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Janse, un artista holandés presentó en el Show de Arte de Ámsterdam en Holanda a su gato convertido en un helicóptero, luego de que su mascota muriera en un accidente de tránsito, el hombre lo embalsamó, le colocó un motor interno y varias hélices en sus patas, de esta manera honró su memoria. Orvillocopter es el primer minino volador del mundo y cuesta 12.000 euros y tiene una autonomía de cinco minutos. Jansen vende su obra por 12.000 euros, sin incluir el frigorífico en el que debe descansar Orville tras sus escapadas.

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Obra de Awol Erizku en NADA Miami 2017

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Judas Christ,1959, Christian Lemmerz

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Una de las principales atracciones de la exposición de la Galería de Arte Zabriskie Point, en Ginebra, Suizaes la obra que se llama “Cheval de Bataille” (Caballo de Batalla) y se trata de un caballo real que ha sido disecado y colgado del cuello y la cintura.

Los artistas responsables, Maya Boesch y Régis Golay, dicen que el arte debe escandalizar y esa fue la intención que tuvo la obra “Caballo de Batalla”. Mientras que Golay niega cualquier relación de dicha obra con la actual crisis europea de la carne de caballo, Boesch por su parte afirma que “El arte no debe tratar de explicar nada, lo que hace es invitar a la gente a que se haga preguntas”.

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Damien Hirst llamó por primera vez la atención del público en Londres en 1988 cuando concibió y comisarió “Freeze”, una exposición en un almacén en desuso que mostraba su trabajo y el de sus amigos y compañeros de estudios en Goldsmiths College. En el casi cuarto de siglo transcurrido desde ese espectáculo fundamental (que llegaría a definir a los Jóvenes artistas británicos ), Hirst se ha convertido en uno de los artistas más influyentes de su generación. Sus obras pioneras incluyen La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive (1991), un tiburón en formaldehído; Mother and Child Divided (1993), una escultura en cuatro partes de una vaca y ternera dividida en dos; y por el amor de Dios(2007), un cráneo humano tachonado con 8,601 diamantes. Además de sus instalaciones y esculturas, las pinturas de Hirst’s Spot y las pinturas de mariposas se han hecho universalmente reconocidas.

Cuando vivimos rodeados de arte sin darnos cuenta

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Manzoni buscaba reinterpretar el mundo de consumo del arte. Pues aseguraba que todos los que se encontraban dentro del mercado de éste, consideraban que una pieza era arte sólo porque un artista la había realizado.

Bajo esta premisa, Manzoni decidió enlatar su mierda y venderla a precio de oro. El resultado fue, al mismo, esperado y sorprendente; una lata fue vendida en 124 mil euros en Sotheby’s en 2007, cuando en 1961, año que Manzoni las realizó, cada lata estaba valuada en 37 dólares, lo que equivalía al precio del oro. Sin embargo, el mundo del arte criticó fuertemente a Manzoni, y antes de cumplir 30 años, había bebido todo el alcohol posible. Murió de un infarto en Milán en 1963.

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Tracy Emin atrapa al espectador con exploraciones a su vida privada que reflejan las emociones universales. En esta exposición en la galería Tate, Tracey mostró su propia cama, tal y como es, con los objetos que hay a su alrededor, papeles tirados en el suelo, condones y toallas sanitarias, sábanas y cobijas por todos lados, y objetos de uso diario como pantuflas.

Su idea tuvo grandes frutos, puesto que en 1999 fue una de las nominadas al premio Turner. La obra fue vendida en 150 mil libras y se exhibe como parte de la primera exhibición de la galería Saatchi.

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Realizado con cera blanca sobre un fondo gris, la obra de Cy Twombly se subastó en 55 millones de dólares. En 1966 Twombly comenzó una serie que retrataba aquello que ocurría en un salón de clases. Este Cuadro vino exactamente después del final de la serie.

Su obra gira alrededor del amor, el arte, la belleza, y la muerte. El trabajo de Twombly se centra en imágenes de gran formato que representan sus pensamientos de manera abstracta, tal y como la corriente americana de los años de posguerra de la abstracción gestual americana con tradiciones de la pintura europea. Utiliza de manera novedosa el lenguaje a través de alusiones y referencias a través de la pintura, la escritura y la realidad.

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Sobra la obra, presentada en ARCO 2015, el autor comenta: “No es nada provocadora, la pieza surge de mi cocina”, lo explica desde Cuba para aclarar que su vaso de agua medio lleno es menos provocador que otras cosas, a pesar de que el precio al que lo vende su galería, Nogueras Blanchard, invite a pensar otra cosa. Por 20.000 euros es suyo. “Soy muy poco provocador. Ojalá el arte fuera mucho más provocador”, cuenta. “El vaso no es una pieza espectacular. De hecho, es una obra que busca todo lo contrario”. El trabajo de Wilfredo descubre una posición crítica resultado de la modificación del significado de los objetos cotidianos. En este caso, es un alegato al optimismo, a ver el vaso medio lleno.

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Fotografía “Piss Christ” (Orina-Cristo, 1987) del artista estadounidense Andrés Serrano. La imagen muestra un crucifijo inmerso en un vaso de orina y simboliza la ambigua relación entre “lo sagrado y lo inmundo, la religión y la blasfemia”.

Serrano, estadounidense de nacimiento y de raíces hondureñas, representa el drama del hombre contemporáneo que se mueve entre lo sagrado y las tendencias profanas, y lo hace a través de un instrumento tan poderoso como la imagen.

Sus obras han levantado polémica en alguna ocasión por los materiales utilizados y esta en concreto, “Piss Christ”, sigue siendo considerada por políticos y religiosos como “blasfema”, “irrespetuosa” y “chocante” treinta años después de su realización.

A lo largo de su trayectoria profesional, ha tratado un vasto conjunto de temáticas incluyendo retratos de miembros del Ku Klux Klan, cadáveres y víctimas quemadas, y se ha atrevido con obras realizadas con fluidos corporales como sangre (a veces del ciclo menstrual), semen o leche materna. Su obra “Blood and Semen III” (“Sangre y semen”) se usó como portada del disco “Load” del grupo de ‘heavy metal’ Metallica, mientras que la obra “Piss and Blood” (“Orina y sangre”) se usó como portada del álbum “ReLoad”, de la misma banda.

 

Cuando el arte es la “nada”

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Con la idea de intervenir el espacio, su línea estética y reflexiva, Orozco exhibió una caja de zapatos que atrajo la atención de las personas porque pensaban que se trataba de basura, de algo que no debía estar ahí, algo que no tenía cabida en el recinto. Incluso los guardias del MoMa la levantaron para tirarla a la basura, hasta que les informaron que se trataba de una pieza en exhibición.

Esta pieza es una de las menos comprendidas en el arte y también de las más polémicas. Según Orozco, la caja representa una pregunta, un recipiente vacío que necesita ser llenado. Muchos críticos han detestado la pieza de Orozco, pero otros la alaban y señalan su complejidad como la acción de materializar en belleza estética a un objeto cotidiano, aquella que logró llevar a los ready mades a otro nivel.

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Klein se convirtió en uno de los artistas más populares de los años 50. Es recordado por el uso desmedido de un solo color en su obra: el azul ultramarino, o el Azul Internacional Klein. De hecho, Klein tiene una serie de cuadros de monocromías azules. Estaba fascinado por ideas místicas, por el infinito, lo indefinible, el absoluto y la libertad. El uso del azul es un llamado al espectador para que éste pueda liberarse de todas las ideas impuestas. Para Klein, las líneas eran una prisión que sólo el azul podía romper.

Pero este artista del performance llevó más lejos su idea conceptual del arte. En 1958 realizó su obra Le vide, en la galería Iris Clert. Klein dejó la galería sin nada, ni una obra, solamente un gabinete vacío. Además, cada asistente debía ser escoltado al cuarto vacío. Sin embargo, su cuadro debe ser leído como una protesta, un ataque político al arte tradicional que las galerías de esos días apoyaban.

Cuando el arte es el “artista”

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Plank Piece I-II consiste en dos grandes fotografías en blanco y negro enmarcadas en formato vertical. Ambas imágenes muestran a un hombre atrapado contra una pared por una larga tabla de madera. Ray creó el trabajo utilizando su propio cuerpo, experimentando con las formas en que podía balancearse contra la pared con una sola tabla de madera. El crítico Michael Fried ha señalado que “ambos arreglos, parece claro, podrían haberse logrado solo con la ayuda de al menos otra persona, que, sin embargo, no aparece en las fotografías”. (Fried 2011, p.72.) De hecho, Ray deliberadamente presenta los arreglos de cuerpo y tabla como estructuras completas, sin ofrecer evidencia de cómo el artista llegó a estas posturas.

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Milo Moiré es una activista que se define como “artista conceptual, pintora, amazona del arte y psicóloga”. Su última performance ha sido hacerse con un megáfono y una caja forrada con espejos cubriendo sus caderas. La caja tiene un pequeño agujero por el que se pueden introducir las manos y tocar. La gente pasa, se detiene y, casi con timidez, mete los dedos en la caja oscura.

El proyecto se titula Mirror Box y ha llevado a la artista a varias ciudades europeas en lo que ella describe como una reivindicación de la naturaleza consensuada de los actos sexuales.

“Estoy aquí hoy por los derechos de la mujer y la autodeterminación sexual. Las mujeres tienen una sexualidad igual que los hombres tienen una. Sin embargo, las mujeres tienen que decidir por sí mismas cuándo y cómo quieren ser tocadas, y cuando no”, comenta la artista sobre la filosofía que hay detrás de su caja de espejos.

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Rhythm es el título de una serie de acciones artísticas ejecutadas por Marina Abramović entre los años 1973 y 1974. Sonido y tiempo, consciencia e inconsciencia, son los dos binomios en que se enmarcan las performance que la configuran. En Rhythm 10, la artista es filmada mientras apuñala la superficie que media entre los dedos de su mano. Cada vez que yerra y se inflige un corte, cambia de cuchillo, así hasta lastimarse una veintena de veces. Es entonces cuando reproduce la grabación y procede a repetir tanto aciertos como errores. En Rhythm 5, Abramović se sitúa en el interior de una estrella de cinco puntas a la que acto seguido prende fuego. Allí mismo recorta su cabello y uñas y los arroja al fuego para, a continuación, tumbarse entre las llamas hasta perder la consciencia a causa de la falta de oxígeno. En Rhythm 2, consume dos psicofármacos prescritos para el tratamiento de la catatonia y la esquizofrenia.

Rhythm 0 es la última de las piezas de la serie Rhythm. Era el año 1974. El Studio Morra de Nápoles (Italia) facilitaría el espacio para su escenificación. El texto plasmado en una de las paredes de la sala explicitaba: «En la mesa hay setenta y dos utensilios que pueden usarse sobre mí como se quiera. Yo soy el objeto». Abramović se posicionó junto a la mesa y adoptó un rol pasivo en el que se mantendría sumergida durante las seis horas siguientes. La performance se prolongaría entre las 20:00 de la tarde y las 2:00 de la madrugada. Bajo ninguna circunstancia debía ser interrumpida una vez en marcha. La artista asumía la plena responsabilidad de cuanto pudiera sucederle en el transcurso de esas seis horas. Las tres primeras horas de la performance transcurrieron sin sobresaltos. El comportamiento del público, elevado al rol de sujeto artístico, fue cordial, afable, amistoso. La artista fue agasajada con un beso o la entrega de una rosa, entre otras acciones bienintencionadas. Pero llegado el ecuador de la obra, el ánimo del público registró un vuelco significativo, y sus acciones se tornaron cada vez más violentas. Un hombre efectuó un corte en su cuello y procedió a beber la sangre que manaba de la herida. Colocaron un sombrero sobre su cabeza mientras le mostraban un espejo con la frase «IO SONO LIBERO», redactada con lápiz de labios; otro escribió «END» en su frente. Dispusieron su cuerpo en la mesa con las piernas abiertas y ubicaron un cuchillo entre ellas. Cargaron el revólver y lo pusieron en su mano con el cañón dirigido hacia su cuello. Esta última acción suscitó el enfrentamiento entre dos facciones del público, la conformada por quienes querían protegerla y la engrosada por aquéllos deseosos de perpetuar sus abusos; a pesar de haber recibido instrucciones de no interferir en la performance, los guardas de la sala arrojaron el arma por una de las ventanas. Abramović fue desnudada por completo, cortada su ropa con tijeras. Entrelazaron el tallo espinoso de la rosa con los eslabones de la cadena que llevaba al cuello. Esparcieron los pétalos de la flor sobre su rostro. Una mujer intervino para secar las lágrimas que humedecían sus mejillas. El galerista Lucio Amelio tomó varias fotografías que colocó en una de las manos de la artista.

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Vestido con ropa de estilo colonial, el actor y mimo Laurent Decol, de 62 años, encarna a este hombre occidental que deambula, realiza actividades y descansa. A diferencia de los animales, también saca fotos y consulta sus correos electrónicos.

El actor también optó por reproducir el medio natural de este hombre que vive en una pieza abierta con una cama, un mosquitero, una lámpara, una televisión, una mesa y sillas.

“Cada día hay un tema, y se habla por ejemplo de biodiversidad, de las condiciones de vida de los animales o de la televisión. Se trajo sus objetos personales. Si la gente se le acerca, puede compartir sus experiencias, abordar facetas del ser humano”, dijo a la AFP Justine Lemonnier, encargada de la comunicación del barrio Citadelle de Besanzón.

Cuando el arte es indistinguible

En febrero del 2016, una señora de la limpieza del museo de Bari tiró a la basura una obra de arte de la sala Murat. La creación, valorada en 10.000 euros, era una composición de trozos de diario, cartón y galletas que estaban esparcidos por el suelo. Según los responsables del museo, pretendía denunciar la contaminación atmosférica en el planeta. El comisario de la exposición, Antonio Maria Vasile, lamenta los hechos pero comprende la confusión.

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TJ Khayatan es un joven que fue con sus amigos de visita al MOMA de San Francisco. Según él mismo ha explicado a algunos medios, les gustaron la mayoría de obras expuestas, pero algunas piezas no las entendieron y les sorprendió, incluso, que fueran calificadas de arte (como un peluche arropado con una manta gris que había en una sala). Desconcertados, decidieron hacer un experimento. Pusieron unas gafas en el suelo, cerca de una pared, y se pusieron a observar la reacción de la gente que visitaba el museo. Al poco observaron que alrededor de las gafas se habían arremolinado varias personas que miraban las gafas cual obra de arte y que, además, les hacían fotos como si fueran la ‘Gioconda’.

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Una encargada del aseo de la iglesia evangélica Philippuskirche de Mannheim, tiró a los cubos de basura gran parte de la instalación “Vivienda 6/2016”, con la que la artista romana Menze-Kuhn trataba de llamar la atención sobre el drama de refugiados. La obra de arte consistía en varias mantas térmicas de supervivencia, de apariencia muy parecida al papel de aluminio, arrugadas y desperdigadas por el suelo, delante del altar, con las que la artista pretendía simbolizar “los escasos medios con los que se lucha en los rescates en alta mar”. El padre Gerd Frey-Seufert pidió disculpas en nombre de la empleada y explicó que “no identificó que se trataba de una obra de arte y se limitó a cumplir con lo que creía que era su trabajo”, al tiempo que descartó cualquier trasfondo de xenofobia, informó el portal del diario español ABC.

La artista reconstruyó parte de la instalación aunque en esta oportunidad añadió un contenedor de basura con parte de la obra anterior. “Al principio quedé bloqueada, estaba claro que el destrozo impedía la reconstrucción de la obra, pero después entendí que podía integrarlo en ella”, sostuvo.

Recreation of first public demostration of auto-destructive art de Gustav Metger

En este caso, en la exposición de la obra, un operario confundió una bolsa de basura que compone la creación con una bolsa de basura corriente y se deshizo de ella en un contenedor.

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La señora de la limpieza del Museo Ostwald de Dortmund se dedicó a limpiar las manchas de cal sobre una superficie de caucho de la obra ‘Wenn es anfängt durch die Decke zu tropen’ (Cuando empieza a gotear el techo) del artista Martin Kippenberger (1953-1997). Los directivos del museo palidecieron al comprobar, la mañana siguiente, que parte de la obra de arte, que data de 1987 y que valoran en 800.000 euros había sido borrada. La cara del portavoz del museo, Dagmar Papajewski, era un verdadero poema mientras reconocía en una rueda de prensa local que “es cierto, ha pasado”. La empresa subcontratada para encargarse de la limpieza del museo localizó inmediatamente a la infractora, que declaró que se había limitado a cumplir con su responsabilidad de limpiar las habitaciones. Ha declarado que no podía saber que la estructura de tablones de madera a medio pintar era una obra propiedad del museo. “Pensé que estaban pintando o arreglando una gotera”, ha dicho.

La obra consiste en una estructura de torre a base de tablas de madera clavadas unas en otras, a modo de andamios o escaleras, en la que aparecen colgados varios letreros con las inscripciones “abstrusa”, “reparaciones” y “satisfacción”. En su parte inferior y directamente situada sobre el suelo del museo, aparecía un baño de albañil de caucho antes con estudiados restos de yeso, diseminados también a su alrededor, y ahora impoluto. La obra no es propiedad del museo, sino un préstamo de un coleccionista que no desea ser identificado y que deberá ser resarcido.

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Antes

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Una señora de la limpieza tiró a la basura por error varias piezas de la exposición Where shall we go dancing tonight? del museo Bozen Bolzano de Milan, según ha confirmado el propio museo, que restituirá la obra con la autorización del artista.

En concreto, la muestra consiste en cajetillas de tabaco, botellas de champán vacías y confeti. La instalación ha sido creada por los artistas milaneses Sara Goldschmied y Eleonora Chiari para representar el hedonismo y la corrupción política de la década de los 80, según informa la BBC.

Después

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Apuñalan a una mujer en pleno Art Basel de Miamo Beach, la principal feria de arte contemporáneo en el continente americano, y muchos de los asistentes a la feria que fueron testigos de la insólita reyerta creyeron, en un principio, que se trataba de una actuación incluida en la oferta cultural de la muestra. Otros pensaron que el cordón policial que se instaló en la zona del incidente era uno de los montajes artísticos que se pueden contemplar entre las 267 galerías participantes.

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Cuando el artista es un animal

Elefantes pintando

Delfín pintando

Pigcasso, el cerdito pintor

Un perro artista

Cuando el arte es el espectador

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La Casa de la Cultura Piedra Del Sol en Colombia convoca a una actividad que consiste en la participación de los ciudadanos en la obras expuestas. Olarte Álvarez, coordinador de Arte y Acción IN SITU explicó que “este es un espacio donde los artistas descubren, cuestionan y entran en contacto directo con el espectador, mediando entre los sentidos y la idea de mundo de cada individuo”.

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Esculturas blandas de gran formato de Ernesto Neto ¿configuran espacios donde el espectador puede sumergirse en un extenso mundo sensorial?

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Y al final, cuando te dan gato por liebre… pasa lo que pasa…

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