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Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)

Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del Barroco italiano.

Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa.

Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro (1562-1629), un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas (Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones.

En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros artistas (entre ellos Francesco Borromini, otra de las grandes personalidades del Barroco italiano) y le encargó pocas obras. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice.

Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos. Esta columnata representó una gran novedad, no sólo por sus dimensiones, sino sobre todo por su disposición elíptica, una forma muy cara a los arquitectos barrocos, inclinados a conferir a todas sus obras efectos de movimiento. Las monumentales estatuas que la rematan en su parte superior dotan al conjunto de un aire todavía más majestuoso y solemne si cabe.

Aunque en menor medida, Bernini trabajó también para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo escultórico, el Éxtasis de Santa Teresa. Resulta difícil concebir una mayor intensidad dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada mediante un tratamiento exquisito del mármol. Por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos de claroscuro, esta representación de una experiencia mística (relatada por la misma Santa Teresa de Jesús en el Libro de la vida) es considerada un compendio magistral de las tres artes mayores, arquitectura, escultura y pintura, y por ello ha quedado como modelo incomparable de la escultura barroca.

De sus realizaciones como arquitecto, la más valorada, además de la columnata de San Pedro, es la pequeña iglesia de San Andrea al Quirinale, en la que arquitectura y escultura se unen en una búsqueda de efectismo destinada a crear un ambiente adecuado para suscitar la fe y los sentimientos religiosos. El palacio Chigi-Odescalchi, que ejerció una influencia decisiva en toda Europa, es uno de sus edificios civiles más conseguidos.

Con sus hermosos edificios barrocos, Bernini coadyuvó como nadie en la renovación urbanística de Roma, a la cual aporto así mismo multitud de estatuas y algunas fuentes monumentales que todavía contribuyen en la actualidad a la belleza de la urbe. La que le encargó Inocencio X para decorar la piazza Navona, llamada Fuente de los cuatro ríos, es la más espectacular de estas realizaciones. Como arquitecto, la influencia de Gian Lorenzo Bernini se extendió a más allá de su época, y alcanzó a figuras como el británico Christopher Wren y el español Ventura Rodríguez. Pintor por afición, sus obras se conservan hoy en los museos más reputados por su gran calidad, lo mismo que sus dibujos, que figuran en las mejores colecciones del mundo.

Fuente | Biografías y Vidas

Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Manuel Prieto Benítez, Cádiz, 1912–1991

Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960

Pionero del fotoperiodismo en Inglaterra

Kurt Hübschmann, nacido en 1893 en Estrasburgo, fue un fotógrafo de origen alemán que fue pionero en el fotoperiodismo en Inglaterra en los años 1930 y 1940. Hübschman era hijo de un profesor de la Universidad de Estrasburgo. Después de su graduación, salio en 1911 de la escuela local protestante, y fue enviado a estudiar derecho a Oxford. Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, regresó a Alemania para servir como oficial de caballería. Desde 1918 Hübschmann se dedica a la fotografía de aficionados. En 1923, tomó lecciones de un fotógrafo de retratos de Berlín. A continuación, abrió un estudio de retrato, con su esposa Gertrude Engelhardt que funciono hasta 1930. Comenzó a trabajar como fotógrafo y reportero gráfico para revistas y periódicos. Stefan Lorant, editor en jefe de la revista Múnich Press publicó 1932 sus imágenes sobre una escuela de danza. En 1934, Hübschmann viajó a Inglaterra para fotografiar el torneo de tenis de Wimbledon. Se decidió a establecerse en Londres, donde se reunió con Stefan Lorant. En los años siguientes trabajo como reportero gráfico. Con Lorant, en 1938 fundó la revista ilustrada Picture Post, Hübschmann se incorporó a la redacción como fotógrafo y cambió poco después su nombre a Kurt Hutton. Durante la Segunda Guerra Mundial, fue internado junto a otros alemanes como extranjero enemigo en la Isla de Man. Después de su liberación en 1941 volvió al trabajo en Picture Post. Muróo en Aldeburgh, Suffolk en 1960.

Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960

Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947

Grabador, pintor y dibujante

Tsunetomi terminó su vida siendo reconocido como pintor en el estilo ‘Nihonga’, pero su formación original fue en el negocio de la impresión en madera. Nacido en Kanazawa, marchó a Osaka en 1892 y fue aprendiz de Nishida Suketaro. También estudió pintura, escultura y talla en madera de estilo ‘Nanga’ con varios maestros antes de unirse a la sección de tallado del periódico ‘Hokkoku shinpo’ en 1897, donde pudo estudiar ilustraciones de periódicos; pero pronto regresó a Osaka para estudiar pintura con Inano Toshitsune, un artista menor que estaba en una línea de la escuela ‘Ukiyo-e’. De él adoptó el elemento ‘Tsune’ en su nombre artístico y absorbió un estilo de pintura de mujeres hermosas que fue una transición entre ‘Ukiyo-e’ y ‘Nihonga’.

Inano lo hizo trabajar como cortador de bloques de madera. Publicó la primera de sus ilustraciones para novelas serializadas en un diario de Osaka. Mientras se ganaba la vida de esta manera, continuó pintando y exhibiendo por primera vez en el espectáculo de Bunten patrocinado por el gobierno en 1910. En 1912 ayudó a crear la Sociedad de Arte Taisho dedicada al fomento de artistas infantiles y en 1915 la Sociedad de Arte de Osaka. en la que se convirtió en un expositor habitual. En 1917 fue elegido para el Instituto de Arte de Japón, y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. Nihonga ‘. Inano lo hizo trabajar como cortador de bloques de madera.

Publicó la primera de sus ilustraciones para novelas serializadas en un diario de Osaka. Mientras se ganaba la vida de esta manera, continuó pintando y exhibiendo por primera vez en el espectáculo de Bunten patrocinado por el gobierno en 1910. En 1912 ayudó a crear la Sociedad de Arte Taisho dedicada al fomento de artistas infantiles y en 1915 la Sociedad de Arte de Osaka. en la que se convirtió en un expositor habitual. En 1917 fue elegido para el Instituto de Arte de Japón, y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. Nihonga ‘. Inano lo hizo trabajar como cortador de bloques de madera. Publicó la primera de sus ilustraciones para novelas serializadas en un diario de Osaka.

Mientras se ganaba la vida de esta manera, continuó pintando y exhibiendo por primera vez en el espectáculo de Bunten patrocinado por el gobierno en 1910. En 1912 ayudó a crear la Sociedad de Arte Taisho dedicada al fomento de artistas infantiles y en 1915 la Sociedad de Arte de Osaka. en la que se convirtió en un expositor habitual. En 1917 fue elegido para el Instituto de Arte de Japón, y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. continuó pintando y expuso por primera vez en el espectáculo de Bunten patrocinado por el gobierno en 1910. En 1912 ayudó a establecer la Taisho Art Society dedicada al fomento de niños artistas y en 1915 a la Osaka Art Society, en la que se convirtió en expositor habitual. En 1917 fue elegido para el Instituto de Arte de Japón, y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. continuó pintando y expuso por primera vez en el espectáculo de Bunten patrocinado por el gobierno en 1910. En 1912 ayudó a establecer la Taisho Art Society dedicada al fomento de niños artistas y en 1915 a la Osaka Art Society, en la que se convirtió en expositor habitual. En 1917 fue elegido para el Instituto de Arte de Japón, y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio.

El tema de Tsunetomi era generalmente mujeres hermosas del mundo del entretenimiento y la moda en el área de Osaka, y su trabajo es importante como un registro de esa forma de vida. Muchas de sus pinturas han sido rescatadas del sentimentalismo común de la época por una inquietud que no es diferente a las primeras impresiones de Ito Shinsui (qv). Diseñó algunas impresiones en hojas, y todas parecen haber sido adaptadas de pinturas anteriores. Su impresión más conocida es ‘Sagimusume’ (Heron Maiden), publicada en 1925. Tsunetomi fue una figura importante en los círculos artísticos de Osaka, donde enseñó a muchos alumnos, incluido el pintor y diseñador de estampas Shima Seien (1892-1970).

Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947

Luis Baylón, fotógrafo, Madrid, 1958

Fotógrafo de la calle

Luis Baylón  es uno de esos maestros a la hora de captar la verdad en las ciudades y sus gentes. Es un fotógrafo profundamente implicados con su ciudad y sabio conocedor de todos sus rincones, desde los que extrae la esencia de su identidad en un permanente anhelo de lo verdadero. Su obra es un recorrido con escalas en la India, Marruecos, Portugal, Zamora y finalmente Madrid.

Luis Baylón ( Madrid 1958 ) compro su primera cámara a la edad de 18 años. Su interés por la fotografía le lleva a instalar su primer laboratorio fotográfico para blanco y negro.

En 1986 publica su primera foto de encargo en La Luna de Madrid. Un año después con dos amigos, montan un estudio fotográfico. El grupo se disuelve un año y medio después. Empieza a colaborar con la revista Ajoblanco. En 1991 Publica por primera vez en prensa la serie “A pie de calle”, Magazine Semanal de El Mundo con texto de Francisco Umbral. dos años después realiza su primera exposición individual en una galería comercial, resultado de su primer viaje a India. Comienza su colaboración con la revista mensual El Europeo.

Con Javier Campano y Mauricio d’Ors, edita su primer libro de autor, “ Tarde de toros”. En 1999 Publica un número en la colección de fotógrafos madrileños de Photobolsillo. A propuesta del Museo Das Peregrinacions de Santiago de Compostela expone y publica su trabajo sobre Benarés.

En 2005 recibe la Beca Endesa de Fotografía, en relación con esta beca decide viajar a Pekín (China), e iniciar una serie acerca de la capital y sus gentes, debido a la transformación notable que se vislumbraba por la celebración de los JJOO.

En 2010 viaja por segunda vez a Pekín, publicando un número en la colección recién aparecida de fotógrafos españoles contemporáneos con la editorial Lunwerg. Un año después inaugura una exposición en la nueva galería de la escuela de fotografía Man Ray y se edita catálogo . En 2013 Segundo viaje a India para asistir al Festival hindú Maha Kumbha Mela. Exposición “ Pequineses “ en la Galería EspacioFoto dentro del Festival Off de PhotoEspaña.

Luis Baylón, fotógrafo
Luis Baylón, fotógrafo
Luis Baylón, fotógrafo
Luis Baylón, fotógrafo
Luis Baylón, fotógrafo
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Luis Baylón, fotógrafo
Luis Baylón, fotógrafo
Luis Baylón, fotógrafo
Luis Baylón, fotógrafo
Luis Baylón, fotógrafo
Luis Baylón, fotógrafo

Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971

La madre del fotoperiodismo

Margaret Bourke-White fue una fotógrafa norteamericana que nació en Nueva York el 14 de junio de 1904. Comenzó a interesarse por la fotografía cuando estudiaba en la Universidad de Cornell y poco después de describir su pasión, abrió su propio estudio donde se especializó en la fotografía arquitectónica. Margaret fue la primera mujer corresponsal de guerra en 1939, la primera mujer a la que se le permitió trabajar en zonas de combate en la Segunda Guerra Mundial.y la primera mujer fotógrafa que trabajó para la revista estadounidense Life. Siendo una fotografía suya la portada de la primera edición, el 23 de noviembre de 1936.

Era una mujer progresista, valiente y reivindicativa que hizo varios viajes a la antigua URSS hasta que consiguió, en 1930 ser la primera fotógrafa occidental a la que se le permitió fotografiar la industria soviética. Llegó incluso a retratar a Joseph Stalin, una imagen que la llevó a la fama. Ella misma comentó sobre esta fotografía que al estar allí, en aquella época, sintió la necesidad imperiosa de fotografiarle llegando a convertirse incluso en una obsesión para ella: “Me dije a mí misma que no podía irme de allí sin una foto de Stalin sonriendo. Pero, cuando le vi, me dio la impresión de que su cara estaba esculpida en piedra. No pensaba mostrar ningún tipo de emoción. Me volví loca tratando de conseguirlo: me tiré al suelo y adquirí todo tipo de posiciones absurdas tratando de conseguir un buen ángulo. Stalin observaba mis esfuerzos y finalmente esbozó algo parecido a una sonrisa, así que conseguí mi foto.

Un año después publicaba todo su trabajo en la Unión Soviética bajo el nombre de “Eyes on Russia“. También fue, junto a su marido Erskine Caldwell, los únicos periodistas extranjeros en la ocupada URSS tras la invasión del ejército alemán en 1941. Quizá fue durante la Segunda Guerra Mundial su periodo de mayor actividad aunque con anterioridad también había participado en proyectos que le otorgaban un estatus elevado dentro de su profesión. Otras de sus fotos más destacadas son las capturadas durante la Gran Depresión de Estados Unidos, donde intentó retratar la pobreza que asolaba al país americano durante la década de los 30.

Después de la guerra, produjo un libro titulado “Dear Fatherland, Rest Quietly“, un proyecto que le ayudó a entender la brutalidad de la que había sido testigo durante y después de la guerra. Este proyecto fue la premisa que despertó su interés por la por la campaña de la no violencia impulsada por Mahatma Gandhi. A él también lo inmortalizó en una de sus obras de arte momentos antes de que éste fuese asesinado cuando, tras la Segunda Guerra Mundial, se dirigió a la India para documentar los conflictos presentados a raíz de la independencia de la región. Otro de sus libros, titulado “Margaret Bourke-White, momentos de la historia”, empieza con la frase: “Nada me atrae tanto como una puerta cerrada”. Una cita que revela aquel espíritu inquieto y revolucionario que la caracterizaba.

Margaret Bourke-White no fue una activista femenina, ni utilizó directamente sus imágenes como recurso para defender su género, sino que fue sutil a la vez que arrolladora. Margaret pretendió simplemente demostrar cómo de lejos podía llegar con su trabajo y que eso sirviese para tomar conciencia de algo que ya se había gestado durante la Primera Guerra Mundial: la creencia de que una mujer era igual de válida que un hombre para desarrollar trabajos relacionados con algo más que meras tareas domésticas. Y es que es realmente triste que cuando se piense en fotografía bélica, a muchos les vengan a la cabeza las instantáneas de Robert Capa durante, por ejemplo, el desembarco de Normandía. Sin embargo, aún reconociendo los méritos del húngaro, existen otros personajes como Margaret Bourke-White que merecen el mismo reconocimiento a su valentía por documentar conflictos bélicos desde primera línea. Como la propia Margaret dijo en una entrevista que le realizaron en 1960, ella sólo quiso ser “el ojo de su tiempo” y estar en cualquier lugar digno de capturar con imágenes para posteriormente reportar al resto del mundo.

Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971
Margaret Bourke-White, fotografía, New York, 1904-1971