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Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)

Jean-Joseph Perraud (1819-1876) fue un escultor académico francés

Jean-Joseph Perraud (1819-1876) fue un escultor académico francés. De acuerdo con Eaton, «Durante el Segundo Imperio ningún escultor gozó de una mayor reputación», aunque su estilo pasó de moda poco después de su muerte.

El mármol de Perraud, Le Desespoir (Desesperación) fue la pieza más importante de su obra. La escultura fue ejecutada en 1869 y exhibida en el Salón de Paris de ese año, después de haber sido recibida con aclamación universal, su versión en yeso para el Salón en 1861. La figura, sentada en el suelo, de acuerdo con una convención bien establecida, pretende ser una alegoría de la condición trágica de la existencia humana. La figura carece de accesorios, y permite al espectador completa libertad de interpretación.

Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)
Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)
Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)
Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)
Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)
Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)
Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)
Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)
Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)
Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)
Jean-Joseph Perraud, escultor, Francia (1819-1876)

Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901

Alfonso Balzico (Cava de Tirreni, 18 de de octubre de 1825 - Roma, 3 de febrero de 1901) fue un escultor y pintor italiano.

Alfonso Balzico (Cava de Tirreni, 18 de de octubre de 1825 – Roma, 3 de febrero de 1901) fue un escultor y pintor italiano.

Después de asistir a la Academia de Bellas Artes de Nápoles, viajó a Florencia y Milán entre 1858 y 1860; durante este período dejó el Neoclasicismo para pasar a realismo y romanticismo. Más tarde, sus obras fueron observados por el rey de Italia Vittorio Emanuele II, que invitó al artista a Turín, encargando algunos cuadros. En 1866 fue nombrado escultor real de la casa de Saboya, y luego se trasladó a Roma en 1875. En 1900 su estatua de Flavio Gioia fue galardonado con una medalla de oro en la Exposición Universal de París. Después de la muerte del artista, la obra fue exhibida por primera vez en el Museo de Roma Balzico; antes de ser comprado por la ciudad de Amalfi, que inauguró en la Piazza Duomo, en 1926.

Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901
Alfonso Balzico, Italia, 1825-1901

Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)

Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del Barroco italiano.

Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa.

Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro (1562-1629), un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas (Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones.

En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros artistas (entre ellos Francesco Borromini, otra de las grandes personalidades del Barroco italiano) y le encargó pocas obras. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice.

Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos. Esta columnata representó una gran novedad, no sólo por sus dimensiones, sino sobre todo por su disposición elíptica, una forma muy cara a los arquitectos barrocos, inclinados a conferir a todas sus obras efectos de movimiento. Las monumentales estatuas que la rematan en su parte superior dotan al conjunto de un aire todavía más majestuoso y solemne si cabe.

Aunque en menor medida, Bernini trabajó también para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo escultórico, el Éxtasis de Santa Teresa. Resulta difícil concebir una mayor intensidad dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada mediante un tratamiento exquisito del mármol. Por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos de claroscuro, esta representación de una experiencia mística (relatada por la misma Santa Teresa de Jesús en el Libro de la vida) es considerada un compendio magistral de las tres artes mayores, arquitectura, escultura y pintura, y por ello ha quedado como modelo incomparable de la escultura barroca.

De sus realizaciones como arquitecto, la más valorada, además de la columnata de San Pedro, es la pequeña iglesia de San Andrea al Quirinale, en la que arquitectura y escultura se unen en una búsqueda de efectismo destinada a crear un ambiente adecuado para suscitar la fe y los sentimientos religiosos. El palacio Chigi-Odescalchi, que ejerció una influencia decisiva en toda Europa, es uno de sus edificios civiles más conseguidos.

Con sus hermosos edificios barrocos, Bernini coadyuvó como nadie en la renovación urbanística de Roma, a la cual aporto así mismo multitud de estatuas y algunas fuentes monumentales que todavía contribuyen en la actualidad a la belleza de la urbe. La que le encargó Inocencio X para decorar la piazza Navona, llamada Fuente de los cuatro ríos, es la más espectacular de estas realizaciones. Como arquitecto, la influencia de Gian Lorenzo Bernini se extendió a más allá de su época, y alcanzó a figuras como el británico Christopher Wren y el español Ventura Rodríguez. Pintor por afición, sus obras se conservan hoy en los museos más reputados por su gran calidad, lo mismo que sus dibujos, que figuran en las mejores colecciones del mundo.

Fuente | Biografías y Vidas

Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Gian Lorenzo Bernini, escultor, Italia (1598-1680)
Manuel Prieto Benítez, Cádiz, 1912–1991

Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960

Pionero del fotoperiodismo en Inglaterra

Kurt Hübschmann, nacido en 1893 en Estrasburgo, fue un fotógrafo de origen alemán que fue pionero en el fotoperiodismo en Inglaterra en los años 1930 y 1940. Hübschman era hijo de un profesor de la Universidad de Estrasburgo. Después de su graduación, salio en 1911 de la escuela local protestante, y fue enviado a estudiar derecho a Oxford. Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, regresó a Alemania para servir como oficial de caballería. Desde 1918 Hübschmann se dedica a la fotografía de aficionados. En 1923, tomó lecciones de un fotógrafo de retratos de Berlín. A continuación, abrió un estudio de retrato, con su esposa Gertrude Engelhardt que funciono hasta 1930. Comenzó a trabajar como fotógrafo y reportero gráfico para revistas y periódicos. Stefan Lorant, editor en jefe de la revista Múnich Press publicó 1932 sus imágenes sobre una escuela de danza. En 1934, Hübschmann viajó a Inglaterra para fotografiar el torneo de tenis de Wimbledon. Se decidió a establecerse en Londres, donde se reunió con Stefan Lorant. En los años siguientes trabajo como reportero gráfico. Con Lorant, en 1938 fundó la revista ilustrada Picture Post, Hübschmann se incorporó a la redacción como fotógrafo y cambió poco después su nombre a Kurt Hutton. Durante la Segunda Guerra Mundial, fue internado junto a otros alemanes como extranjero enemigo en la Isla de Man. Después de su liberación en 1941 volvió al trabajo en Picture Post. Muróo en Aldeburgh, Suffolk en 1960.

Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960
Kurt Hutton, fotógrafo, 1893-1960

Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947

Grabador, pintor y dibujante

Tsunetomi terminó su vida siendo reconocido como pintor en el estilo ‘Nihonga’, pero su formación original fue en el negocio de la impresión en madera. Nacido en Kanazawa, marchó a Osaka en 1892 y fue aprendiz de Nishida Suketaro. También estudió pintura, escultura y talla en madera de estilo ‘Nanga’ con varios maestros antes de unirse a la sección de tallado del periódico ‘Hokkoku shinpo’ en 1897, donde pudo estudiar ilustraciones de periódicos; pero pronto regresó a Osaka para estudiar pintura con Inano Toshitsune, un artista menor que estaba en una línea de la escuela ‘Ukiyo-e’. De él adoptó el elemento ‘Tsune’ en su nombre artístico y absorbió un estilo de pintura de mujeres hermosas que fue una transición entre ‘Ukiyo-e’ y ‘Nihonga’.

Inano lo hizo trabajar como cortador de bloques de madera. Publicó la primera de sus ilustraciones para novelas serializadas en un diario de Osaka. Mientras se ganaba la vida de esta manera, continuó pintando y exhibiendo por primera vez en el espectáculo de Bunten patrocinado por el gobierno en 1910. En 1912 ayudó a crear la Sociedad de Arte Taisho dedicada al fomento de artistas infantiles y en 1915 la Sociedad de Arte de Osaka. en la que se convirtió en un expositor habitual. En 1917 fue elegido para el Instituto de Arte de Japón, y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. Nihonga ‘. Inano lo hizo trabajar como cortador de bloques de madera.

Publicó la primera de sus ilustraciones para novelas serializadas en un diario de Osaka. Mientras se ganaba la vida de esta manera, continuó pintando y exhibiendo por primera vez en el espectáculo de Bunten patrocinado por el gobierno en 1910. En 1912 ayudó a crear la Sociedad de Arte Taisho dedicada al fomento de artistas infantiles y en 1915 la Sociedad de Arte de Osaka. en la que se convirtió en un expositor habitual. En 1917 fue elegido para el Instituto de Arte de Japón, y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. Nihonga ‘. Inano lo hizo trabajar como cortador de bloques de madera. Publicó la primera de sus ilustraciones para novelas serializadas en un diario de Osaka.

Mientras se ganaba la vida de esta manera, continuó pintando y exhibiendo por primera vez en el espectáculo de Bunten patrocinado por el gobierno en 1910. En 1912 ayudó a crear la Sociedad de Arte Taisho dedicada al fomento de artistas infantiles y en 1915 la Sociedad de Arte de Osaka. en la que se convirtió en un expositor habitual. En 1917 fue elegido para el Instituto de Arte de Japón, y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. continuó pintando y expuso por primera vez en el espectáculo de Bunten patrocinado por el gobierno en 1910. En 1912 ayudó a establecer la Taisho Art Society dedicada al fomento de niños artistas y en 1915 a la Osaka Art Society, en la que se convirtió en expositor habitual. En 1917 fue elegido para el Instituto de Arte de Japón, y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. continuó pintando y expuso por primera vez en el espectáculo de Bunten patrocinado por el gobierno en 1910. En 1912 ayudó a establecer la Taisho Art Society dedicada al fomento de niños artistas y en 1915 a la Osaka Art Society, en la que se convirtió en expositor habitual. En 1917 fue elegido para el Instituto de Arte de Japón, y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio. y posteriormente se mantuvo como expositor regular en exposiciones oficiales. En 1934 fue invitado a contribuir con pinturas murales en el Shotoku Memorial Painting Hall en el Santuario Meiji, en Tokio.

El tema de Tsunetomi era generalmente mujeres hermosas del mundo del entretenimiento y la moda en el área de Osaka, y su trabajo es importante como un registro de esa forma de vida. Muchas de sus pinturas han sido rescatadas del sentimentalismo común de la época por una inquietud que no es diferente a las primeras impresiones de Ito Shinsui (qv). Diseñó algunas impresiones en hojas, y todas parecen haber sido adaptadas de pinturas anteriores. Su impresión más conocida es ‘Sagimusume’ (Heron Maiden), publicada en 1925. Tsunetomi fue una figura importante en los círculos artísticos de Osaka, donde enseñó a muchos alumnos, incluido el pintor y diseñador de estampas Shima Seien (1892-1970).

Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947
Kitano Tsunetomi, pintor, Japón, 1880-1947

Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926

Monet fue la figura clave del movimiento impresionista. De hecho fue un cuadro suyo el que puso nombre al movimiento

Monet fue la figura clave del movimiento impresionista. De hecho fue un cuadro suyo el que puso nombre al movimiento. Sus innovaciones en el estudio del color y la luz causaron tanta admiración como rechazo, pero como bien sabemos, se adelantó lo justo a su tiempo como para ser considerado un innovador y tener éxito al mismo tiempo.

Dibujante de caricaturas desde niño, ya pintaba paisajes y marinas, algo que le agradaba al poder trabajar al aire libre. Con 19 años viaja a París para empezar sus estudios, siendo financiado por su familia. Pero cuando Monet es llamado para el servicio militar (de 7 años) estos no quieren pagar el reemplazo a no ser que deje ese horrible oficio, por lo que Monet se tiene que ir a Argelia.

Un año después su tía acabaría pagando y Monet retorna a Francia. Viaja por Europa donde se enamora de las distintas luces en los distintos momentos del día. En el Reino Unido descubre a Turner, que le marca como nadie había hecho. Comienza a intentar plasmarlo en pintura mediante manchas. Era el ojo quien las unía en el cerebro, aunque estas ideas eran demasiado modernas para la época.

No fueron tiempos de bonanza. Monet y su familia (incluyendo hijos ilegítimos) vivían en la pobreza pero eso no impedía que el artista vistiera con las mejores ropas, como un dandy. Además era un artista muy poco comercial, excesivamente experimental.
Pero precisamente fue eso lo que le dio fama en la exposición de 1874: Una serie de manchas de colores que representaban un paisaje mejor de lo que había sido representado nunca… o mejor dicho, la impresión de ese paisaje…

Monet había descubierto su estilo, que se fue radicalizando con el tiempo. Intentó captar el instante (sus trenes con humo), la luz (sus paisajes), las variaciones del color a través de sus series sobre un mismo tema, a distintas horas o durante estaciones diferentes. Paulatinamente fue acentuando los efectos luminosos hasta llegar en ocasiones a difuminar las formas o incluso a fundirlas entre sí.

En sus últimas obras (nenúfares), la forma está ya prácticamente disuelta en manchas de color. Muchos historiadores de arte afirman que al sufrir Monet de cataratas, el artista veía cada vez más tras un filtro borroso y amarillento. De hecho, tras ser operado, volvió una temporada a su estilo anterior.

Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926
Oscar-Claude Monet, París, 1840-1926