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Índice por autores (por apellido)

Índice autores (por fecha nacimiento)

Ikko Tanaka, Nara (Japón), 1930-2002

Ikko Tanaka nació en 1930 y falleció en 2002, dejando tras de sí una extensa obra gráfica y un poso significativo en la historia del diseño gráfico

Ikko Tanaka nació en 1930 y falleció en 2002, dejando tras de sí una extensa obra gráfica y un poso significativo en la historia del diseño gráfico. Su trabajo contribuyó a expandir por todo el mundo la cultura nipona y su estética, con una mezcla de respeto a la tradición milenaria japonesa con las tendencias más modernas del diseño gráfico occidental.

Tanaka es mundialmente conocido por su trabajo como diseñador de carteles, aunque trabajó otros ámbitos como el packaging, la escenografía o la imagen corporativa en su totalidad.

El diseñador japonés se formó en la Escuela de Bellas Artes de Kioto, donde se graduó en diseño en 1950. Tras su licenciatura comenzó a trabajar en una empresa textil, aunque tras dos años se trasladó a Osaka donde comenzó a trabajar en la documentación gráfica de un periódico y como ayudante de escenografía.

Con otros diseñadores gráficos japoneses, en 1953 funda el Club A, que se convierte en un centro neurálgico del diseño y las artes gráficas en el que se debatían y analizaban conceptos, técnicas y tendencias.

En 1957, Ikko Tanaka llega a Tokio, donde trabaja como director creativo de Light Publicity, auténtica cantera de talento gráfico en Japón.
Dos años más tarde tiene lugar un punto importantísimo en su trayectoria, cuando en Tokio se celebra la Conferencia Mundial de Diseño. Tanaka se hizo cargo de las relaciones internacionales y del diseño del evento lo que le hizo entrar en contacto directo con los mejores diseñadores del mundo y supuso un escaparate perfecto para su trabajo.

A partir de este año su carrera se dispara: es miembro fundador del Nipon Design Center, recibe diversos premios y se consolida como uno de los diseñadores internacionales más destacados. En 1963 crea su propia agencia y se suceden los encargos y las grandes cuentas como el diseño de emblemas y medallas para las Olimpiadas del 64, el cartel de los Juegos Olímpicos de Invierno del 72 o cartelería para destacadas exposiciones internacionales.

Para Ikko Tanaka, el diseño debe adaptarse al encargo concreto, al proyecto. Una de sus bases es abordar el tema con la mente abierta e intentar cumplir con las necesidades concretas del cliente. A pesar de ese profundo respeto a los clientes, Tanaka desarrolló al tiempo un estilo único y fácilmente reconocible. Quizás para Tanaka fue sencillo cumplir con sus clientes, ya que sus clientes buscaban a Tanaka.

Su estilo es muy ecléctico y variado, con tintas planas de colores intensos y formas geométricas; aunque también trabajó con otras técnicas como el grabado o la fotografía.

Por lo que respecta a sus carteles, su obra más reconocible y extensa, Tanaka reconoce la importancia de la tipografía, indispensable en un cartel.

Ikko Tanaka comenzó a incluir texto en sus carteles simplemente por su componente estético, ya que muchas veces los copiaba de carteles estadounidenses. Con el tiempo, incluyó caracteres japoneses para incluir la doble función de las letras: estética e informativa.

Tanaka trabajó con caracteres occidentales y con cuatro alfabetos japoneses distintos, que son los que debe dominar cualquier diseñador nipón.

Su interés por la tipografía –heredado sin duda de  la importancia que se le da a la caligrafía en Japón- fue tal que creó su propia familia: Kocho, basada en la Bodoni.

 

Fuente | La Imprenta (02/03/2017)

Ikko Tanaka, Nara (Japón), 1930-2002
Ikko Tanaka, Nara (Japón), 1930-2002
Ikko Tanaka, Nara (Japón), 1930-2002
Ikko Tanaka, Nara (Japón), 1930-2002
Ikko Tanaka, Nara (Japón), 1930-2002
Ikko Tanaka, Nara (Japón), 1930-2002
Ikko Tanaka, Nara (Japón), 1930-2002

Hayao Miyazaki, Tokio (Japón), 1941

Hayao Miyazaki nació en Tokio el 5 de enero de 1941. Su padre dirigía un negocio que fabricaba timones para un avión de guerra

Hayao Miyazaki nació en Tokio el 5 de enero de 1941. Su padre dirigía un negocio que fabricaba timones para un avión de guerra, por lo que desde muy pequeño Miyazaki desarrolló una gran fascinación tanto por la aviación como por la literatura bélica, algo que más tarde reflejaría en sus películas a través de la inclusión de toda clase de artefactos voladores y su pacifismo. Por otro lado, su madre, una mujer fuerte por la que sentía una gran admiración, influiría decisivamente en una de la señas de identidad de su cine: las mujeres resolutivas y de gran temperamento, una rareza para la cultura nipona.

Fuera del ámbito familiar, su principal referencia fue Osamu Tezuka, “el padre del manga”, por el que el joven Miyazaki se aficionó a dibujar. A pesar de sus dotes artísticas, Hayao estudió Ciencias Políticas y Económicas en la Universidad de Gakushuin (Tokio), años durante los que leyó a muchos autores occidentales que marcarían su forma de narrar historias. Al finalizar su etapa universitaria entró como intercalador (encargado de dibujos entre movimientos) en Toei Doga, por aquel entonces una recién creada empresa de animación. Poco a poco fue adquiriendo puestos de mayor responsabilidad dentro de la misma, en la que conoció a Isao Takahata, que se convertiría en uno de sus principales colaboradores.

Tras su paso por Toei Doga, y ya como animador experimentado, pasó a formar parte de la plantilla de Nippon Animation, compañía responsable de series míticas como HeidiMarco oConan, el chico del futuro, esta última la primera serie que dirige Miyazaki en 1978. Un año después, ahora en una nueva empresa llamada Tokio Movie Shinsha, dirige su primera película Lupin III: El castillo de Cagliostro, además de algunos episodios de la serie Sherlock Holmes, la última en la que ha colaborado hasta el momento.

Después de varios años inmerso en un arduo proceso de lluvia de ideas que servirán de base a muchos de sus proyectos posteriores, y ante la imposibilidad de realizar un largometraje personal de manera independiente, recibe el encargo por parte de la revista Animage de realizar con total libertad creativa un manga que más tarde él mismo adaptará a la gran pantalla en la que será su primera película “como autor”: Nausicaä del Valle del Viento (1984), producida en asociación entre Tokuma Shoten y Topcraft Studio, este último compuesto principalmente de los que serán meses después los trabajadores de Studio Ghibli, fundado en junio de 1985 por Miyazaki y Takahata.

Dentro de Studio Ghibli, donde poseerá libertad de movimientos, Miyazaki se embarcará en la dirección y el guion de títulos como El castillo en el cielo (1986),Mi vecino Totoro (1988), Nicky, la aprendiz de bruja (1989), Porco Rosso(1992) o La princesa Mononoke (1997), su proyecto más ambicioso, que supuso su consagración como maestro de la animación japonesa pero cuyo esfuerzo estuvo a punto de retirarle del cine. Tras este punto de inflexión, Miyazaki volvería con fuerzas renovadas y en plena madurez como creador para elaborar el tramo más brillante de su carrera con películas comoEl viaje de Chihiro (Óscar a la mejor película de animación 2002), El castillo ambulante (2004) o Ponyo en el acantilado (2008), intercaladas todas ellas de labores de producción o guion en títulos menores de Studio Ghibli.

Su última película es El viento se levanta (2013), basada libremente en la novela del mismo nombre escrita porTatsuo Hori, y la vida de Jirō Horikoshi, ingeniero creador del célebre caza de combate Mitsubishi A6M Zero que Japón utilizó en la II Guerra Mundial.

 

Fuente | Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki, Tokio (Japón), 1941
Hayao Miyazaki, Tokio (Japón), 1941
Hayao Miyazaki, Tokio (Japón), 1941
Hayao Miyazaki, Tokio (Japón), 1941
Hayao Miyazaki, Tokio (Japón), 1941

Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516

Pintor flamenco. Hijo de Antonio van Aken y nieto de Jan van Aken, ambos pintores. Debió de aprender el oficio en el taller de su padre

Pintor flamenco. Hijo de Antonio van Aken y nieto de Jan van Aken, ambos pintores. Debió de aprender el oficio en el taller de su padre, aunque no lo hereda al tener un hermano mayor con la misma dedicación. Aparece por vez primera vinculado a su padre cuando la cofradía de Nuestra Señora encarga un retablo (1475-1476) al escultor Adrian van Wesel para una capilla en la colegiata de la ciudad. Antes de junio de 1481 casa con Aleyt, que, al parecer, disfrutaba de buena situación económica. En 1486 es admitido en la mencionada cofradía dedicada a la Virgen María, importante y de élite, con miembros en diversas ciudades de los Países Bajos. Debía entonces dedicarse a la pintura, aunque no se conserva ninguna, ni se documenta siquiera. Desde su adscripción se mencionan pequeñas misiones y actos en los que partici­pa de forma activa, algunos indicativos de la buena consideración en que se le tenía. En esta primera parte de su vida llevaría a cabo obras como La extracción de la piedra de la locura (Prado) y Prestidigitador (Musée Municipal, Saint-Germain-en-Laye), en las que ya se manifiesta su personalidad singular. La cofradía paga una cantidad a sus aprendices por haber pintado tres escudos en 1503-1504. Ya había adquirido un amplio prestigio en el país a consecuencia del cual comenzaba a firmar sus obras como «Bosch» o «Iheronimus Bosch», apelativo que no se le dio en su lugar de nacimiento, sino que lo motivó su fama creciente por todo el país como alusión a su residencia. Es entonces cuando Felipe el Hermoso le encarga un Juicio Final, es posible que un tríptico, hoy desaparecido, donde se le llama taxativamente «Jeronimus van Aeken dit Bosch». Se ha intentado identificar sin resultado con pinturas conservadas. La más famosa es la de la Akademie der Bildenden Künste, Viena, en exceso restaurada, sobre todo el ala izquierda, una de sus composiciones más imaginativas y pesimistas, donde el Infierno prima sobre un Paraíso casi inexistente. Ya había realizado por entonces obras como los Pecados capitales (Prado), Las bodas de Caná (Boijmans van Beuningen Museum, Róterdam) o la Nave de los locos (Musée du Louvre, París). Se encontraba abierta la cantería de la colegiata de Nuestra Señora, luego catedral, cuyas obras dirigió durante algún tiempo Alart de Hameel, con quien debió de tener una buena amistad, porque después de una ausencia el arquitecto volvió a la ciudad y trabajó como grabador en algunas estampas con modelo proporcionado por el pintor. Quizás ya firmaba sus obras con el sobrenombre de «Bosch» con anterioridad al contrato con Felipe el Hermoso, pero en su ciudad natal no se menciona hasta 1510 (los cofrades se refieren a él por su verdadero nombre, añadiendo «que firma Hheronimus Bosch»). Felipe de Guevara afirma que en esta etapa final de su vida apareció un imitador que falsificaba su firma. Muere en 1516, considerado por sus cofrades como alguien notable de la comunidad, en una buena posición económica y siendo apreciada su pintura incluso en algunas zonas de Europa (Venecia, España). En esta etapa de madurez realiza los trípticos El carro de heno (Prado) y El jardín de las delicias (Prado). Ambos corresponden a lo que el padre Sigüenza llama «pintura macarrónica», donde su capacidad creadora y su imaginación es más evidente, basada en el conocimiento del arte de su época manipulado profundamente hasta obtener resultados insospechados. Sin duda, el Bosco pintó cuadros de altar, como sus contemporáneos, pero muchas de sus pinturas debieron de formar parte de colecciones particulares (una Extracción de la piedra de la locura se documenta en posesión de Felipe de Borgoña, arzobispo de Utrecht, poco después de la muerte del artista). Si la identificación que se ha propuesto es correcta, El jardín de las delicias estuvo en el palacio que Enrique de Nassau tenía cerca de Bruselas y no en su capilla. Dos obras maestras suelen fecharse en sus años finales, los trípticos de La Adoración de los Magos (Prado) y el extraordinario de Las tentaciones de san Antonio (Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa), dedicado a un tema que repitió en varias ocasiones (uno pertenecía a Margarita de Austria en 1516). Por fin se habla de un momento final donde realiza cuadros devocionales en extremo expresivos en los que no falta la caricatura y algún detalle de humor cáustico, como la Coronación de espinas con dos ejemplares (El Escorial, Madrid, y National Gallery, Londres) o algunos con paisajes delicados, San Juan en Patmos (Museo Lázaro Galdiano, Madrid). Su fama no disminuyó con la muerte, aunque algunos lo consideraban loco o herético, y aún surgió una cierta «boscomanía». Pieter Bruegel el Viejo se dejó influir por él. Felipe II le apreció mucho, interpretándolo en clave devota, afirmando que si todos pintaban a los hombres como querían ser, él los pintaba como eran. Por ello la más importante colección de obras suyas se conserva en España, singularmente en el Museo del Prado.

Fuente | Museo del Prado

Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516
Hieronymus Bosch (El Bosco), Ducado de Brabante (Países Bajos), 1450-1516

Balthus (Balthasar Kłossowski de Rola), París, 1908-2001

Balthasar Klossowski de Rola (1908-2001), conocido como Balthus, fue un artista polaco-francés

Balthasar Klossowski de Rola (1908-2001), conocido como Balthus, fue un artista polaco-francés que, entre otras, retrataba niñas y mujeres adolescentes más allá del simple retrato. Él consideraba que las niñas que representaba eran sencillamente “ángeles” y en tal sentido éstas poseían un inocente impudor propio de la infancia y rechazaba que sus perturbadores cuadros fuesen morbosos. También opinaba que el término “pornográfico” debe ser revisado ya que según decía, por ejemplo: “las modelos de publicidad de productos de belleza parecen tener un orgasmo”. Pese a ser considerado perturbador y escandaloso entre ciertos sectores sociales, Balthus, se defendía de quienes veían una sombra de suciedad en sus niñas impúberes, sosteniendo que nunca se acercó a las modelos con intenciones morbosas.

Declaraba que “las niñas”, como él las llamaba con cierto hastío al tener que justificarse: “son las únicas criaturas que todavía pueden pasar por pequeños seres puros y sin edad”. Pese a las críticas, su trabajo fue admirado por muchos de sus contemporáneos y seguido por escritores y pintores, especialmente por André Breton y Pablo Picasso. Su círculo de amigos en París incluía al novelista Pierre-Jean Jouve, los fotógrafos Josef Breitenbachy, Man Ray, Antonin Artaud, Henri Cartie-Bresson y Martine Frank,  junto cn los pintores André Derain, Joan Miró y Alberto Giacometti. En 1948, Albert Camus, otro de sus amigos, le pidió que diseñara los decorados y el vestuario para su obra L’État de siège y declaraba sobre él: “no es el crimen lo que interesa, sino la pureza”.  Otro artista influido por Balthus es el gran fotógrafo Duane Michals, pero en la novela Hannibal, de Thomas Harris, el autor se refiere al personaje de ficción Hannibal Lecter como un primo de Balthus. El artista era el único con vida que tenía obras en el Louvre de París (ellas provenían de la colección privada de Pablo Picasso, que fue donada al museo).

Balthus (Balthasar Kłossowski de Rola), París, 1908-2001
Balthus (Balthasar Kłossowski de Rola), París, 1908-2001
Balthus (Balthasar Kłossowski de Rola), París, 1908-2001
Balthus (Balthasar Kłossowski de Rola), París, 1908-2001
Balthus (Balthasar Kłossowski de Rola), París, 1908-2001
Balthus (Balthasar Kłossowski de Rola), París, 1908-2001
Balthus (Balthasar Kłossowski de Rola), París, 1908-2001
Balthus (Balthasar Kłossowski de Rola), París, 1908-2001
Balthus (Balthasar Kłossowski de Rola), París, 1908-2001

Félix Vallotton, Lausana (Suiza), 1865–1925

Pintor y grabador de origen suizo, miembro del grupo de los nabis

Nacido en 1865 en Lausana, Félix Vallotton cuota en 1882, a París para aprender pintura. Se matriculó en la Académie Julian, donde fue notado pronto por Gustave Boulanger y Jules Lefèvre. Pasa el examen de ingreso a la Escuela de Bellas Artes, donde fue recibido en la primera, en marzo de 1883. 
 
Copia las obras de los grandes maestros en el Museo del Louvre, donde admiró las obras de Ingres , entre ellos » El baño turco «.
 
Es un apasionado de la imagen . Después de tres años de dificultades financieras, expuso en el Salón de Artistas Franceses en 1885, «Retrato de D. Ursenbach», que pone de manifiesto su admiración por Holbein . En 1887, presentó su «Retrato de Jasinski sosteniendo su sombrero «, decidió dejar la Académie Julian, y se movió rue de Vaugirard en el verano de 1888. 
 
Regresó de vez en cuando en Suiza, especialmente en el cantón de Vaud, donde pintó paisajes, ya que su vistas al puerto de Pully. En París, desde 1891, está interesado en el grabado de madera y produce éxitos grabados experiencia internacional, mediante su publicación en la Revue Blanche, Le Mercure de France, L’Assiette au beurre en París, Cap Libro Chicago Jugend de Munich y Scribner, en Nueva York.
 
Durante el año 1893, redobla su actividad: pintó «Le Bain en la noche de verano», que se presentó en el Salon des Indépendants, donde causó sensación e incluso escándalo «erotismo grotesco y su frío, su técnica suave dibujo por alto … «En algunas escenas como la manifestación (1893), muestra la violencia ejercida contra la sociedad burguesa, sus simpatías anarquistas.
 
Sabor sin concesiones de arte naif, se basa en la simplificación de la forma y la eliminación de matices, como en la pintura Nabis, que se incorporó en 1897. .
 
Sus pinturas, como las de Ingres sus modelos son a la vez realista y suave. Son el retrato de la humanidad feo y ridículo (la tercera galería en Châtelet, 1895).Sus desnudos, presagian un escalofrío erótico Magritte y Balthus, pero algunas escenas son una reminiscencia de la intimidad de la Bonnard o Vuillard como Nabis. 
 
En 1900, se naturalizó francés: expuso en la Secesión de Viena, es el Centenario del arte francés de la Exposición Universal de París, y la Secesión de Berlín, y se quedó en Lausana, donde pintó varios paisajes 
principios de 1901, él viajó al sur de Francia, cerca de Cannes, se reitera la Salón de los Independientes des con vistas a Marsella, Niza y París, y participó en una exposición colectiva en Zurich Künstlerhauss. 

En 1908, participó en diversas exposiciones como en la Secesión de Munich, y la exposición del Toisón de Oro Oro de Moscú.

En 1914 él quiere comprometerse con la guerra, pero fue rechazado debido a su edad.
 
Vallotton es el autor de las pinturas durante la Primera Guerra Mundial muy colorido, haciendo hincapié en la estética futurista de la violencia de esta guerra le inspiró en 1915 diversos cuadros como «El crimen castigado», «1914», «Verdun» o sin embargo, «Esto es la guerra.» 
 
Se queda en Cagnes-sur-Mer para el invierno 1920, viajando a través de Francia hasta 1924, sin dejar de pintar, pero gana la enfermedad. Exposiciones continuar en Druet, en el Salon d’Automne y el Salon des Tuileries otra vez en París en 1925. 
 
Félix Vallotton fue hospitalizado en noviembre de 1925 para la cirugía: la edad de sesenta años que murió como consecuencia de esta intervención.
Félix Vallotton, Lausana (Suiza), 1865–1925
Félix Vallotton, Lausana (Suiza), 1865–1925
Félix Vallotton, Lausana (Suiza), 1865–1925
Félix Vallotton, Lausana (Suiza), 1865–1925
Félix Vallotton, Lausana (Suiza), 1865–1925
Félix Vallotton, Lausana (Suiza), 1865–1925
Félix Vallotton, Lausana (Suiza), 1865–1925
Félix Vallotton, Lausana (Suiza), 1865–1925
Félix Vallotton, Lausana (Suiza), 1865–1925

Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995

Fotógrafo de la revista “Life”

Alfred Eisenstaedt nació en Dirschau, en Prusia, el 6 de diciembre de 1898. Fue fotógrafo de la revista “Life”, y es considerado el padre del fotoperiodismo moderno.

Para su cumpleaños número 14 recibió una Kodak Eastman no. 3 de parte de su tío. Desde ahí la fotografía se convirtió en una pasión, y luego se convirtió en uno de los fotógrafos más famosos de la revista “Life”.

Se alistó en el ejército en la edad de 17 años, y su pierna fue herido de gravedad en abril de 1918.

Pocos años después, en 1922, después de tener una garantía financiera como un comerciante de hebillas y botones, compró su equipo fotográfico. A continuación, comenzó a desarrollar sus propias fotografías en el baño de la casa.

Eisenstaedt tuvo el éxito suficiente para convertirse en un fotógrafo de tiempo completo en 1929. Cuatro años más tarde fotografió una reunión entre Adolf Hitler y Benito Mussolini en Italia. Él comenzó a trabajar como freelance para Pacific and Atlantic Photos (que se convirtió Associated Press). En ese período utilizó una Leica 35 mm.

Sus temas eran políticos, artistas famosos y eventos sociales, como la temporada de invierno St. Moritz. Fue invitado a Italia en 1933 con el fin de inmortalizar la primera reunión entre Hitler y Mussolini. Dos años después de que Hitler llegara al poder, Eisenstaedt se mudó a Estados Unidos. Junto con Margaret Bourke-White, Thomas McAvoy y Peter Stackpole, participó en el “Proyecto X” en Nueva York, esta fue organizada por el de la revista Time, Henry Luce: sobre la futura publicación de la revista LIFE (23 noviembre 1936).

La primera edición de la revista “Life” dedicó 5 páginas a las fotografías de Eisenstaedt y en la segunda semana de la revista, su fotografía de la academia militar de West Point estuvo en la portada. Eisenstaedt documentó América durante los años de conflicto, así como su crecimiento y renacimiento después de la depresión de la década de 1930.

Se convirtió en ciudadano estadounidense en 1942. Llevó a cabo una serie de misiones en varios países alrededor del mundo, sus fotografías registrando situaciones irrepetibles en los años de la posguerra.

Eisenstaedt tuvo más de ochenta de sus fotografías en la portada de la revista “Life” en los años que siguieron, y él continuó recibiendo un mayor reconocimiento por su trabajo. La ciudad de Nueva York le dedicó un día en su honor “Alfred Eisenstaedt Day”, y recibió la Medalla Presidencial de las Artes y el Premio Master de Fotografía en 1988.

Él continuó trabajando para la revista “Life”, instalándose en su despacho, a sólo cinco cuadras de su casa

Alfred Eisenstaedt falleció en Nueva York el 24 de agosto de 1995.

Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
Alfred Eisenstaedt, fotógrafo, Prusia, 1898-1995
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