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Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)

Las acuarelas realistas

Marcos Beccari, artista nacido en Sao Paulo, Brasil y que en la actualidad vive en Curitiba. Beccari es profesor e investigador interesado en la filosofía, la hermenéutica (es el arte o teoría de interpretar textos, especialmente las escrituras sagradas y los textos filosóficos), el dibujo y el diseño gráfico. En la actualidad es profesor de Diseño y Comunicación, coordina un Blog de Filosofía del diseño, además de colaborar en otras revistas de diseño y comunicación.

Estudió en Universidad de São Paulo.

– Doctorado en Educación de la USP. Diseñador gráfico y Master de Diseño, ambos títulos UFPR.

– Profesor de la UFPR (Diseño gráfico / PPG-Design) y la Academia de Arte de pigmento (Curso de acuarela).

– Redactor fijo Revista ABCDesign. Coordina el sitio de Filosofía de Diseño y de podcast PESAR (AntiCast).

– Autor del libro “Las articulaciones simbólicas: una nueva filosofía de diseño” y coautor del libro “No es el diseño? preguntas filosóficas en tres voces”.

Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)
Marcos Beccari, Sao Paulo (Brasil)

Al Hirschfeld, Sant Louis (Missouri), 1903-2003

AL HIRSCHFELD, EL CARICATURISTA DE HOLLYWOOD Y BROADWAY

Al Hirschfeld, considerado el rey de la línea por su estilo emblemático, retrató a los personajes usando papel, tinta negra y líneas, sin perder la esencia de retrato. Actores de teatro, cine y televisión, músicos, políticos y todo tipo de famosos se admiraron al quedar plasmada su caricatura sobre el papel blanco firmado por Hirschfeld. En su libro Art and Recollections, confesó que la caricatura implica crítica o criticismo, por lo que prefiere pensar que sus caricaturas son dibujos de carácteres y de personajes y, por eso, él es ‘caracterista’ y personajista. Al Hirschfeld, quien este año hubiera cumplido 115 años, debutó en 1928 y dedicó 70 años de su vida a páginas culturales de The New York Times. Hacemos un recorrido por su legado sin fecha de caducidad.

Nacido el 21 de junio de 1903 en St.Louis, Missouri, Albert Hirschfeld pasó 90 años en Nueva York trabajando hasta el último día, el 20 de enero de 2003, y murió cuando le faltaban cinco meses para cumplir un siglo de vida.

Se mudó a Nueva York con su familia en 1914 para estudiar en la Academia Nacional de Diseño, donde aprendió anatomía y perspectiva, dos reglas que pronto iba a romper. Comenzando en departamentos de publicidad y en estudios cinematográficos, Hirschfeld creaba campañas promocionales para Goldwyn Pictures en 1920, antes de convertirse en director de arte en David Selznick Pictures con tan solo 18 años, pasando, después, a Warner Brothers. Aunque inicialmente fue formado como escultor, Hirschfeld nunca lo consideró como una profesión. Para él, escultura fue un dibujo con el que alguien se podría tropezar en la oscuridad.

Debutó como caricaturista en 1928, y las páginas culturales de The New York Times se convirtieron en su propio escenario. Dedicando 70 años de su vida a este periódico, Hirschfeld fue la figura habitual durante las noches de estreno en Broadway, por lo que tuvo toda la libertad para dibujar y captar lo que más llamase su atención. Pero, para hacerlo, tuvo que aprender a dibujar en la oscuridad. «En realidad, no es tan difícil. Piensa en informáticos y estenógrafos que no miran las teclas, o pianistas, o violinistas…», afirmó  en una entrevista en 2001 con Art Spiegelman, dibujante galardonado con el Premio Pulitzer. Hirschfeld hizo bocetos en su bolsillo durante el estreno, esbozando gestos o expresiones. Fueron una especie de jeroglíficos que él aprendió a leer y que, más tarde, decodificó en su estudio, sentado en el sillón de barbero.

 Hirschfeld explicó así su proceso de creación de dibujos: «Tomo una hoja en blanco e invento una línea. Primero, dibujo a lápiz, y sigo con tinta y pluma solo cuando he eliminado lápiz hasta el mínimo absoluto». El artista Paul Klee hizo famosa la idea que una línea es un punto que se fue a dar un paseo. Pero, las líneas de Hirschfeld no están simplemente paseando, están en patines.

Sus dibujos han cubierto programas de Playbillcarteles y anuncios publicitarios de películas, revistas como Time y Lifeprensa (The new York Times es el ejemplo más destacado), portadas de discos de Aerosmith y sellos postales para el Servicio Postal de los Estados Unidos. Museos como Metropolitan y Museo de Arte Moderno de Nueva York tienen colecciones permanentes de su obra.

Después de su muerte, Albert Hirschfeld recibió Medalla Nacional de las Artes de Estados Unidos y fue protagonista del documental The Line King, nominado a los premios Óscar como el mejor documental. Tras su muerte en 2003, el Teatro de Martin Beck fue renombrado en Teatro de Al Hirschfeld.

Al Hirschfeld, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003
Al Hirschfeld, Santander, Sant Louis (Missouri), 1903-2003

Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972

Francisco Rivero Gil, dibujante y caricaturista

Dibujante y caricaturista. Realizó el servicio militar en África. Presentó trabajos durante los años veinte en el Ateneo de Santander y fue colaborador gráfico de El Pueblo Cántabro (1915-1929). Se trasladó a Sevilla formándose en la Escuela de Bellas Artes de dicha localidad. Posteriormente marchó a Madrid donde como discípulo y seguidor de Bagaría trabajó para los diarios Heraldo, La Libertad, El Sol, El Socialista y las revistas gráficas Blanco y Negro, Mundo Gráfico, Estampa, La Esfera, etc.

Durante la guerra civil trabajó como cartelista en Barcelona donde ingresó en la AS en 1936 y en mayo de 1937 en la Agrupación Profesional de Periodistas de la UGT.

Exiliado en la República Dominicana y Colombia, donde trabajó como dibujante en el periódico El Tiempo y en la revista El Mes Financiero y Económico de Bogotá. Se trasladó a México en 1944 donde trabajó para Claridades, El Nacional y Excelsior.

Participó en la creación del grupo Aquelarre y en la fundación del Ateneo Español en México de cuyo logotipo fue autor. Elaboró carteles y propaganda para producciones cinematográficas y colaboró también en la televisión. Falleció en México DF en 1972.

Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972
Francisco Rivero Gil, Santander, 1899-1972

Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957

Representa en sus pinturas la belleza simple que se encuentra en la vida cotidiana

El pintor radicado en Kentucky, Kim English, representa en sus pinturas la belleza simple que se encuentra en la vida cotidiana. Conocido por su dominio del claroscuro, cada pieza habla del verdadero enfoque de la inspiración inglesa: la armonía existente entre la luz y la sombra. Su tema, que va desde un puesto de frutas al lado de la calle en México hasta las ventanas llenas de sol, crea un ambiente particular, a través del cual el espectador se presenta a los escenarios encantadores que están envueltos en profundidad y textura, y son totalmente sobre pintura. Esta es la fuerza principal de la pintura inglesa: su asombrosa manipulación de su medio.

Kim English explora y crea observaciones visuales de la vida cotidiana capturando el espíritu humano en el lienzo. Mantiene un sentimiento de espontaneidad al completar cada pintura en una sesión con el método alla prima. Dice que al usar este método, la inmediatez es importante. No solo porque a menudo es la naturaleza de las personas, sino que para mí es la forma más instintiva de pintar.

English nació en 1957 en Omaha, Nebraska y creció en una comunidad rural cerca de Colorado Springs. Después de graduarse de la Escuela de Arte Rocky Mountain, se unió a la facultad y luego comenzó a enseñar en la Art Students League de Denver y en la Escuela de Artistas de Scottsdale. Ha expuesto en el Allied Artists of America ganando la Medalla de Oro de Honor; la Academia Nacional de Diseño; los artistas de América-Denver Rotary Club; 21ª exposición anual de NAWA; Artes para los Parques; Invitational the Colorado Governor’s – Loveland Museum; el Museo de Arte Occidental AR Mitchell Memorial; La 42 ª Exposición Anual de Knickerbocker; Oil Painters of America y ganó el Certificado de Mérito y el Premio Joseph Hartley Memorial en dos exposiciones del Club Salmagundi.

Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957
Kim English, pintor, Omaha (Nebraska), 1957

Kim English habla sobre su próxima obra de pintura al óleo “Observaciones” en las Galerías Saks, en Denver, CO. (mayo 2012)

Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935

Bodegones, paisajes y retratos

Nacido en el condado de Lewis, Nueva York, en las montañas Adirondack, Prentice comenzó su carrera artística, como es lógico, pintando el paisaje que rodea la granja de la infancia. Sin embargo, después de mudarse a Brooklyn alrededor de 1883, eventualmente abandonó los paisajes para las naturalezas muertas y es por esto que es más conocido.

Hay lagunas significativas en su biografía y no se sabe si él se asoció o si conoció a otro compañero de Brooklyn, el famoso pintor de bodegones, Joseph Decker. Sin embargo, se sabe que su currículum durante su estancia en Brooklyn incluía carpintería, creación de marcos y enseñanza de arte.

Las composiciones de bodegones de Prentice ilustran su notable habilidad para representar el color, la forma y la textura, con contrastes dramáticos entre el fondo y el sujeto en primer plano. No abandonó totalmente la pintura de paisaje, ya que muchas de sus composiciones de naturaleza muerta se representan dentro de un entorno de paisaje, en lugar de la configuración habitual de la mesa. Sus obras exhiben una calidad 3-D (trompe l’oeil) como si pudiera arrancar la fruta directamente desde el lienzo.

Su biografía incompleta también revela que a lo largo de su carrera, además de las montañas Adirondack y el lago George, Prentice vivió o trabajó en las áreas del valle del río Hudson en Nueva York y en las áreas de las cataratas del Niágara y en el área del Gran Cañón de Arizona. Prentice fue miembro de la Asociación de Arte de Brooklyn, donde expuso a menudo sus pinturas. Prentice vivió o trabajó en las áreas del valle del río Hudson y las cataratas del Niágara de Nueva York y en el área del Gran Cañón de Arizona. Prentice fue miembro de la Asociación de Arte de Brooklyn, donde expuso a menudo sus pinturas. Prentice vivió o trabajó en las áreas del valle del río Hudson y las cataratas del Niágara de Nueva York y en el área del Gran Cañón de Arizona. Prentice fue miembro de la Asociación de Arte de Brooklyn, donde expuso a menudo sus pinturas.

Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935
Levi Wells Prentice, pintor, New York, 1851-1935

Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia

Pintor, ilustrador, escultor y escritor

Tibor Nagy nació y creció en una pequeña ciudad llamada Rimavská Sobota en Eslovaquia, que se encuentra en el corazón de Europa. Creció en una familia de músicos durante el régimen comunista, donde la expresión artística estaba severamente restringida. Por otro lado, estas circunstancias lo ayudaron a encontrar su propia voz única como artista, relativamente sin influencia de elementos externos.

Desde muy temprana edad, Tibor se encontró profundamente conectado con la naturaleza y la expresión gráfica en muchas formas que le parecieron muy naturales. La experiencia adquirida en la naturaleza y la experiencia en el campo artístico se complementan constantemente entre sí. Esto creó una base sólida, que influyó en todo su desarrollo artístico, además de ser una fuente inagotable de inspiración para él como artista autodidacta.

Al comienzo del viaje artístico de Tibor, el realismo combinado con la abstracción fue la dirección que prevaleció en su estilo. Más tarde, en los años ochenta, comenzó a inclinarse más hacia el surrealismo, combinando técnicas y experimentación aún en busca de su propia forma de expresión única.

En 2005, Tibor finalmente pintó su primer aire plein. También fue su primer contacto con la pintura de paisaje y la pintura al óleo. Inmediatamente vio un gran potencial en esta forma de pintura y expresión, a pesar de la dificultad de este estilo. El enfoque de “Alla Prima” parecía muy atractivo en un sentido de franqueza, veracidad y expresividad, al mismo tiempo que era un verdadero desafío, ya que requería un artista intransigente.

Sobre el acercamiento de Tibor a la pintura: “En pintura, me esfuerzo por capturar la vitalidad, la esencia y la diversidad del escenario mientras me concentro en el contexto emocional. A veces es difícil mantener los impulsos internos bajo control. En este punto necesito un poco de coraje. Un territorio desconocido comienza más allá de esta frontera “.

“Es como estar en el borde. A veces me caigo y otras veces me llegan nuevas posibilidades inesperadas de expresión y técnica. Estar constantemente en el límite es la forma en que puedo mejorar. Lo que me importa es tener el coraje de dejar el camino seguro, pero a menudo aburrido y “mantenerse vivo”. También hago un esfuerzo adicional para permanecer abierto a nuevas posibilidades y formas innovadoras, y si es posible, no permanecer al mismo nivel todo el tiempo. De esta manera, le doy a los nuevos procesos creativos la oportunidad de seguir adelante “.

Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia
Tibor Nagy, pintor, Eslovaquia

Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909

Pintor, ilustrador, escultor y escritor

Frederic Remington (4 de octubre de 1861 – 26 de diciembre de 1909) fue un pintor, ilustrador, escultor y escritor de los Estados Unidos, que se especializó en la descripción del Oeste estadounidense. 

Nació en la población de Canton, estado de Nueva York, siendo sus padres Seth Pierrepont Remington y Clarissa Bascom Sackrider. Uno de sus bisabuelos, Samuel Bascom, fue un fabricante y comerciante de sillas de montar. Frederic Remington estaba emparentado por lazos de sangre al retratista indio George Catlin y al escultor de temática cowboy Earl W. Bascom. Pasó su infancia cazando y cabalgando, pero pronto empezó a practicar con dibujos y esbozos de figuras imaginativas. La familia más adelante se trasladó a Ogdensburg, Nueva York. 

Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909
Frederic Remington, pintor, New York, 1861-1909

Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969

Retratista de miradas dulces

Arsen Khairullavich Kurbanov nació en 1969 en la ciudad de Makhachkala, en Daguestán (en la antigua URSS) en una familia vinculada al arte. Su madre, Galina Vasilyevna Pshenitsina, es pintora y su padre, Khairullah Magomedovich Kurbanov, es pintor.

De 1981 a 1988 Arsen Kurbanov estudió en el Colegio de Arte de Daguestán. El trabajo de graduación fue un mural con el tema “El artista y la hora”. De 1988 a 1994, Arsen estudió en el Instituto Repin de pintura, escultura y arquitectura (también llamada la Academia Rusa de Arte) en San Petersburgo, en el estudio de la UM Neprintsov.

Durante su tiempo de estudio, Kurbanov participado en exposiciones en Berlín y Alemania. Después de terminar su trabajo en clase, produjo y defendió su título de pintura sobre el tema de “La Cabra Blanca”. 

Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969
Arsen Kurbanov, pintor, Daguestán (Rusia), 1969

Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956

Pintor hiperrealista

Guillermo Muñoz Vera. Pintor nacido en Chile y nacionalizado español. El artista pertenecería a la segunda generación de realistas españoles. Su obra depurada y asombrosa, es claro resultado de su sensibilidad artística y formación. En oposición a la tradición española de principios del siglo XIX de pintar cuadros históricos de grandes formatos, Muñoz Vera optó por la pintura de género. Su objetivo era conseguir un conocimiento inmediato por parte del espectador de temas menos valorados como el paisaje, el retrato y la naturaleza muerta recurriendo a los grandes formatos para otorgar magnificencia y replantear la apreciación de este tipo de obras.

Nació en Concepción en 1956. En 1973 ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, convirtiéndose en profesor adjunto en 1977 de la Cátedra de Dibujo; se licenció en 1978 con mención en Pintura. Al año siguiente viajó a Madrid para estudiar anatomía y dibujo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. A la vez realizó estudios de fotografía, física del color, física óptica, psicología de la visión e imagen digital.

En 1982 conoció a Carmen Bobel, quien se convertiría en su primera marchante (encargada de ventas y promoción) en España. Tres años después, Muñoz Vera adquiere la nacionalidad española. En 1986 conoce a Thomas Levy, director de una importante galería alemana, lo que amplió los horizontes del pintor.

Muñoz Vera formó en 1989 en las afueras de Madrid el primer taller multidisciplinario, el que convocó a artistas españoles y extranjeros para realizar actividades artísticas y clases ligadas al grabado, pintura, teatro, diseño y enmarcación de cuadros. Bajo la sigla ARAUCO, Arte y autores contemporáneos, creó una Fundación en 1993, de la que llegó a ser Vicepresidente en 1996. De 1990 a 1995 tuvo contrato exclusivo con la Galería Ansorena de Madrid.

Guillermo Muñoz Vera posee un dominio riguroso del dibujo, el realiza en grafito, carboncillo, pastel o lápiz; adeMás, emplea aguadas sobre papel y óleo sobre tela.

El principal motivo de Muñoz Vera, similar en estilo a Claudio Bravo, es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas e interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina.

Una disciplina de síntesis para la ejecución en la que intervienen los Más modernos recursos infográficos junto a una superficial aplicación del color, por medio de veladuras y empastes y una destreza en el atrapamiento de la luz en el lienzo, que producen esa sensación de ‘aire’ que existen en sus cuadros.

Se le ubica, debido al resultado asombrosamente depurado de sus obras, dentro del Realismo, en su tendencia de hiperrealismo por mantener conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena. Más puntualmente, la crítica lo sitúa dentro de la segunda Generación de realistas españoles, destacándose como uno de los Más talentosos e interesantes miembros del grupo. Grupo que, pese a lo que se pueda creer, es un movimiento de vanguardia.

En ese sentido, Muñoz Vera ha subvertido los cánones clásicos de representación; hasta el siglo XIX, sólo la pintura de Historia podía emplear grandes formatos. Los temas de la vida cotidiana eran relegados a un formato menor, a una composición menos rígida y a una menor severidad en la realización. Muñoz Vera hecha por tierra esas convenciones y realiza una obra que genera inmediata recepción en el espectador. Sus bodegones y paisajes carecen de ‘tema’, pues son simple descripción visual, manteniéndose al margen de los tres elementos que actualmente negativizan la pintura realista: lo sentimental, lo pintoresco y lo anecdótico. Nos muestra la aceptación de lo cotidiano tal cual es, junto con dejar en evidencia el aspecto complejo y netamente pictórico de los que nos rodea.

Guillermo Muñoz Vera ha realizado varias exposiciones individuales, entre las que destacamos las llevadas a cabo en la Sala Manuel Montt, Santiago (1976), en la Sala Grifé & Escoda de Madrid (1986), Galería Gering-Kulemkapff, Alemania (1987), Galería Ansorena, Madrid (1990), Mader Fine Art, EE.UU (1996) y Galería Isabel Aninat, Chile (1998).

Cabe nombrar una destacada obra realizada por el pintor: el retrato de los Reyes de España para la Expo Lisboa ’98.

Premios y distinciones: 1988 Mención Honrosa, I Concurso Nacional de Gráfica, Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile.

Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956
Guillermo Muñoz Vera, Chile, 1956

Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019

Pintor, ilustrador, dibujante de historietas...

Ingresó en 1950 en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona y comenzó a trabajar principalmente para revistas románticas británicas de la editorial Fleetway. También ha trabajado para el mercado nórdico a través de la editorial Semic y en Estados Unidos. Estos trabajos fueron obtenidos a través de agencias de sindicación tales como Selecciones Ilustradas que permitieron trabajar a numerosos artistas de su generación en mercados mucho más lucrativo que el español de aquella época.

Si bien realizó algunas historietas su trabajo brilló principalmente en la ilustración de portadas. Resulta especialmente notable su maestría en el dibujo de la figura femenina, estilizado y elegante, que ha influido a artistas posteriores. Su trabajo se ha comparado al de Jorge Longarón, dibujante también de Selecciones Ilustradas.

En España trabajó principalmente para las editoriales Bruguera y Ricart, centrándose en historietas románticas como Lupita, Mariló, Sentimental, Modelo, Dalia, Florita, Merche o Sissi, así como ilustrando numerosos libros juveniles e infantiles para las editoriales Molino, Afha y Planeta, e incluso álbumes de cromos como Hombres en Lucha.

Realizó su primera exposición como pintor en 1974 y desde entonces se ha ido centrando en su labor como pintor artístico, ámbito en el que es ampliamente reconocido. Su estilo es figurativo, con preferencia por el desnudo y la figura humana y ocasionalmente naturalezas muertas y paisajes. Emplea tanto la técnica del óleo como otras afines al dibujo. Desde 1987 expone regularmente en la Sala Parés de Barcelona y ha realizado numerosas exposiciones tanto en España como en otros países.

Premios
1979 Medalla de oro concedida por la editorial Bastei-Verlag de Alemania
1981 Cámara de Comercio de Barcelona

Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019
Ángel Badía Camps, Barcelona, 1929-2019

Pedro Antonio Villahermosa “Sileno”, Zaragoza, 1870-1945

"Sileno" (Pedro Antonio Villahermosa), Borao (Zaragoza, España), 1870 - Madrid (España), 1945

Sin duda fue el alma de Gedeón, ya que creó a sus dos personajes característicos: Gedeón y Calínez. El primero es el vivo retrato del hombre de la calle de entonces, posiblemente una caricatura del limpiabotas que le atendía habitualmente. Tanto en Gedeón como en sus ilustraciones para Blanco y Negro se distinguió por el seguimiento que hizo de la Primera Guerra Mundial, conflicto en el que tomó cierto partido por los alemanes. En 1918 publicó su popular álbum Dibujos.

Fue asiduo a los Salones de Humoristas que organizaba el crítico de arte José Francés. Autor de tendencia conservadora, fue muy crítico con el nacionalismo catalán. De 1921 a 1931 dirigió el semanario Buen Humor en el que coincidió con otros grandes ilustradores de la época. También colaboró en ABC, Blanco y Negro, Cucú y El Heraldo de Aragón.

Publicaciones: Gedeón, Calínez, Buen Humor, ABC, Blanco y Negro, Cucú, El Heraldo de Aragón.

Pedro Antonio Villahermosa "Sileno", Zaragoza, 1870-1945
Pedro Antonio Villahermosa "Sileno", Zaragoza, 1870-1945
Sileno, poeta visual
Sileno, poeta visual
Sileno, poeta visual
Sileno, poeta visual
Sileno, poeta visual
Sileno, poeta visual

Friso de los arqueros de Susa, 510 a.C.

Un ejército de Inmortales

El friso de los arqueros de Susa encarna la grandeza del ejército persa, un cuerpo de élite conocido con el sobrenombre de “Los Inmortales”, cuya prodigiosa milicia logró alcanzar el elevado estatus de Guardia Real por su valía en el campo de batalla, una magistral epopeya que quedó plasmada en los muros de la residencia real del rey persa Darío I el Grande (512-486 a. C.), cuya técnica escultórica fue la del bajorrelieve esmaltado sobre ladrillo, una metodología revolucionaria empleada por los ceramistas persas y que fue desarrollada a finales del II milenio por los Elamitas, los cuales se denominaban a sí mismos como “Haltamti”. El friso posee un tamaño de 4,75 metros por 3,75m, y fue esculpido en torno al año 510 a. C. Actualmente, el friso se encuentra ubicado en la sala de antigüedades de Oriente Próximo en el museo parisino del Louvre, cuyo depósito fue realizado en el año 1884 por el arqueólogo francés Marcel Dieulafoy (1844-1920), quien obtuvo el permiso de las autoridades persas para llevar a cabo la excavación arqueológica del Palacio de Susa (actual Shush en Irán), descubierto por el arqueólogo británico W.K Loftus (1820 -1858) treinta y siete años antes.

El linaje real y casi “divino” de Darío I el Grande (512-486 a. C.) fue obtenido por su padre persa Histaspes (542-522 a. C.), quien fue gobernador de la región de Partia (Irán) bajo el gobierno de los reyes persas Ciro II y Cambises II, con quienes compartía una prosapia secundaria proveniente de la rama aqueménida. Su formación académica estuvo regida en palacio, recibiendo la misma educación que los príncipes reales. Así mismo, llegó a ostentar el título de “portador de la lanza personal”, que el propio rey Cambises II le otorgó, concendiéndole de esta forma el honor de formar parte de la expedición militar contra los egipcios, en la que el propio rey Cambises II moriría en la primavera del año 522 a. C. tras intentar acabar con las revueltas iniciadas tras su partida y dirigidas por un usurpador medo llamado Gaumata, quien se hizo pasar por Esmerdis, el hermano pequeño del rey.

Esmerdis y Cambises eran hijos del rey Ciro II (550-529 a. C.). Cambises era el sucesor al ser el mayor, y ofreció a su hermano Esmedis el título de gobernador de las provincias orientales del Imperio Persa. A Cambises II se le atribuye la muerte de Esmerdis para evitar un golpe de Estado cuando tuvo que partir para luchar contra los egipcios.

El historiador y geógrafo griego Heródoto (484-426) barajó la posibilidad de que la muerte del rey Cambises II fuese en realidad un asesinato y no un accidente como afirmaron las fuentes oficiales de la época; en cualquier caso fue el propio Darío I el encargado de aplastar la sublevación subsiguiente y desterrar al falso rey Gaumata dándole él mismo muerte. Tras este segundo golpe de Estado, el nuevo monarca se erigió a sí mismo como futuro rey, tras consolidar su linaje real y divino con el apoyo de la divinidad Ahura-Mazda (deidad del bien), los nobles persas y el casamiento con Atosa, la hermanastra viuda del rey Cambises II, de cuya unión nacieron Masistes, Aquemenes (futuro sátrapa de Egipto), Histaspes y Jerjes, quien sería el sucesor de su padre en el trono.

Con la llegada al poder de Darío I el Imperio Persa comienza a expandir sus horizontes mucho más allá de lo que se había logrado con Ciro II. Durante esta etapa, el dárico (moneda acuñada en oro) se mantiene como sistema monetario durante el Imperio Aqueménida. El sistema administrativo provincial también se ve afectado por los cambios, incrementado el número de satrapías (provincias gobernadas en la antigua Persia) a un total de treinta, las cuales estaban a su vez dirigidas por tres delegados: el sátrapa, el tesorero y el secretario.

  • Sátrapa: Las únicas personas a las que estaba permitió acceder a este tipo de puesto eran de linaje real o noble. Su función como virrey consistía en ejercer el poder jurídico, administrativo, económico y militar.
  • Tesorero: Administraba la gestión de la recaudación de impuestos.
  • .Secretario: Actuaba como mano derecha del virrey informándole de cualquier tipo de irregularidad, revuelta o mala gestión en la provincia que gobernaba.

La gestión social, política y económica llevada a cabo durante el reinado de Darío I le sirvió para impulsar grandes proyectos de construcción. Uno de ellos, el que abordaremos a continuación, fue el “Palacio de Susa”, que fue construido en torno al año 510 a. C. y que sirvió para establecer la nueva capital del Imperio Persa.

Edificado sobre las ruinas elamitas, se tomó como referencia para su levantamiento una terraza artificial ya existente de 12 hectáreas divida en tres secciones, de las cuales una servía como única puerta de acceso al interior del palacio, que a su vez se comunicaba con la Villa Real, ubicada en la sección Este y por la que se accedía a través de una rampa de ladrillo cocido.

La arquitectura del lugar y el enclave también fueron de vital importancia a la hora de edificar, pues de esta forma no tuvieron que emplear los estándares establecidos en los palacios de Persépolis, para los cuales el uso de la piedra era de vital importancia, y se pudo recuperar así la tradición de los ladrillos esmaltados, típicos de la cultura babilónica.

Una de las piezas arqueológicas más importantes y significativas que decoraron las paredes del Palacio de Darío I fue el friso de los arqueros, una obra de colosal envergadura inspirada en la élite del ejercito persa, cuya formación estaba compuesta de un total de diez mil hombres armados y uniformados pertenecientes a la guardia real, y a los que se apodó con sobrenombre de “Los Inmortales” gracias a la rápida intervención de sus miembros, pues cuando un soldado caía o enfermaba de gravedad, era inmediatamente sustituido por otro. Este regimiento se encontraba únicamente integrado por pobladores persas y medos.

El friso de los arqueros es sin lugar a dudas una excepcional y real obra arquitectónica fidedigna del ejercito de élite persa, pues los soldados fueron representados con todo lujo de detalles, incluyendo su armamento de ataque y defensa, que estaba formado por un escudo fabricado en cuero y mimbre, una lanza corta con punta de hierro y equilibrada con un contrapeso en la parte opuesta, un arco con su carcaj colocado en la espalda y en cuyo interior se guardan las flechas, y una espada corta o una daga en algunos casos. Su indumentaria también fue representada de forma detallada: el uniforme reglamentario consistía en una larga túnica bordada, unos pantalones y una cota de metal. La cabeza no estaba protegida, pero sí decorada con un gorro de tres piezas que difería del diseño original del rey, pues éste era de una única pieza que podía acabar en punta.

El uso de las indumentarias y los colores era regulado en el ejercito según el estatus social y linaje de la guardia. El uso de la tiara en la cabeza servía para identificar la orden militar a la que uno pertenecía.

Fue el propio rey Darío I el que expresó mediante la lengua escrita que la grandeza del “Friso de los arqueros” se debía a los artesanos babilonios. Y aunque esta técnica fue absorbida y perfeccionada por la cultura babilónica, su origen se remonta a la civilización indoeuropea conocida con el nombre de Kasitas. El ejercito de los Inmortales fue plasmado en las paredes del Palacio de Susa, mostrando soldados de metro y medio de altura. Los materiales empleados para su construcción fueron arena y cal, sometidas a diversas cocciones en las que se iba trabajando de manera progresiva la pieza hasta que las figuras eran acabadas. Gracias a la policromía se logró realzar significativamente la obra. Las tonalidades más usadas fueron el azul, el verde, el amarillo y el naranja. Y el detalle de los acabados, en los que se da importancia no sólo a la indumentaria y armamento, sino también al estilo de vida y joyería, hacen de esta espectacular obra una de las piezas más famosas e importantes del arte aqueménida.

La caída de sus reyes y el paso del tiempo hicieron que el Palacio de Susa permaneciese en el anonimato hasta que el orientalista, pintor, arqueólogo y político francés Eugène Flandin (1809 – 1889) descubrió casi por casualidad a finales del siglo XVIII la capital asiria de Dur-Sharrukin, lo que acabó por generar un súbito interés por la cultura de Oriente Próximo patrocinado por los museos, quienes financiaban las excavaciones que se llevaban a cabo, lo que supuso la destrucción parcial o total de los yacimientos.

Hoy en día, los restos arquitectónicos del palacio de Darío I se encuentran expuestos en su mayoría en el Museo del Louvre (Musée du Louvre) de París, aunque también podemos encontrar algunas piezas destacables en el Museo de Pérgamo de Berlín (Pergamonmuseum) en Alemania.

Fuente | Sheila Hernández | Akrópolis (02/06/2016)

Friso de los arqueros de Susa, 510 a.C.
Friso de los arqueros de Susa, 510 a.C.
Friso de los arqueros de Susa, 510 a.C.
Friso de los arqueros de Susa, 510 a.C.
Friso de los arqueros de Susa, 510 a.C.
Friso de los arqueros de Susa, 510 a.C.
Friso de los arqueros de Susa, 510 a.C.
Friso de los arqueros de Susa, 510 a.C.

Mosaico de la batalla de Issos, 325 a.C.

Mosaico de Alejandro Magno

El mosaico de Issos (también conocido como mosaico de Alejandro Magno) es una copia romana (ca. I a.C.) de una pintura helenística (ca. 325 a. C.) hallada en la Casa del Fauno, en Pompeya. Representa la batalla de Issos, en especial la carga de los hetairoi de Alejandro guiados por su líder mientras los soldados de Darío III Codomano intentan proteger a su rey. Mide 272 cm × 513 cm y forma parte de la colección actual del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, Italia.

El mosaico representa una batalla en la que Alejandro trataba de llegar a Darío para capturarle o matarle. Tanto la batalla de Issos del 333 a. C. como la batalla de Gaugamela del 331 a. C. compartían esta característica, aunque en la primera Alejandro se acercó más a su rival antes de que éste huyera.

Generalmente se sostiene que el mosaico es una copia de un cuadro de Apeles que éste pintó mientras el líder macedonio aún vivía (por tanto tuvo que ser antes de la batalla de Gaugamela, en su visita a la tienda real), o bien un fresco ya perdido del pintor Filoxeno de Eretria que databa del siglo IV a. C. A este último menciona Plinio el Viejo,2​ quien sostiene que dicho pintor fue contratado por Casandro para decorar el palacio real.

El retrato de Alejandro es uno de los más famosos. El peto de Alejandro tiene una representación de Medusa, la famosa gorgona y su pelo de serpientes, que es típica de los retratos reales según los cánones del arte griego establecidos en el siglo IV a. C. Se le retrata a la izquierda, iniciando la carga montado en su caballo Bucéfalo, y manteniendo su mirada fija en el líder persa.

A Darío se le muestra en su carro. Parece estar dando órdenes desesperadamente al auriga real para huir de la batalla, mientras extiende su mano como un gesto mudo hacia Alejandro, o posiblemente tras haber lanzado una jabalina. Tiene una expresión preocupada en su rostro. El auriga da latigazos a los caballos mientras intenta escapar. Los soldados persas situados detrás de él expresan arrojo y consternación. También se representa a Oxiartes, el hermano de Darío, sacrificando su vida para salvar al rey.

La perspectiva en disminución –que tiene como centro al caballo, visto desde atrás– y el uso de formas para dar una sensación de masa y volumen transmite un efecto naturalista a la escena. Lanzas repetidas en diagonal, espadas que chocan, y la multitud de hombres y caballos evocan el furor de la batalla. Al mismo tiempo, la acción se detiene debido a detalles dramáticos en primer plano, como los caballos caídos y los soldados persas del fondo que contemplan su propia muerte reflejada en un escudo.

El mosaico está hecho de aproximadamente un millón y medio de diminutas teselas, colocadas en curvas progresivas llamadas opus vermiculatum (literalmente, trabajo de gusano, porque parecía imitar el lento movimiento de un gusano arrastrándose por la tierra). El mosaico es una obra inusualmente detallada y realizada para una residencia privada, y fue probablemente costeada por una persona o familia rica (como hemos dicho, Plinio el Viejo sugiere que esta persona fue el propio Casandro de Macedonia). Otra teoría sostiene que pudo haberse tratado de un mosaico original helenístico, que fue trasladado de Grecia a Roma. El arqueólogo italiano Fausto Levi apoya la primera teoría.

Mosaico de la batalla de Issos, 325 a.C.
Mosaico de la batalla de Issos, 325 a.C.
Mosaico de la batalla de Issos, 325 a.C.
Mosaico de la batalla de Issos, 325 a.C.
Mosaico de la batalla de Issos, 325 a.C.
Mosaico de la batalla de Issos, 325 a.C.

Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923

Este artista tuvo sus primeros contactos con la pintura en la Escuela Comunal de Diseño

Este artista tuvo sus primeros contactos con la pintura en la Escuela Comunal de Diseño y con posterioridad recibe sus enseñanzas en el estudio de Angiolo Lemmi y Natale Betti. Se traslada su padre a la provincia de Florencia, con el objeto de facilitar la continuidad en el estudio, tanto del propio pintor como de su hermano Ludovico, que realizaron en la Academia de Bellas Artes. Alcanzada su formación y reconocida su obra, entra en contacto con otros artistas de prestigio y escritores de su generación. A principios del siglo XX inicia una serie de viajes que le llevan a América del Sur, conociendo los territorios más australes y exponiendo sus obras en Buenos Aires. Vuelto a Italia fija su residencia en la Torre del Lago, provincia de Lucca, donde se relaciona con Giacomo Puccini. En 1920 Florencia le rinde homenaje con una exposición antológica.

Su contexto histórico fue la gran emigración europea (Italia, Irlanda…) de principios del siglo XX a EEUU. Es probablemente la emigración de la Italia profunda, la Italia de Sur, la Italia del subdesarrollo, la que vierte “generosamente” sus hombres y mujeres hacia América del Norte, América del Sur o hacia el Norte de Italia y sus temas los emigrantes (decenas de emigrantes, probablemente centenares, esperan para embarcar en un puerto italiano).

La pintura de Angiolo es naturalista, de una definición purista de los valores tradicionales de la perspectiva, el volumen y el color, lo que entendemos por academicismo, de vieja tradición en Europa. Resultaba tan intenso el fenómeno de la emigración por esas fechas que inspiraba telas de esta magnitud, las cuales encontraban excelente acogida en las exposiciones nacionales e internacionales tan en boga entonces.

Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923
Angiolo Tommasi, pintor, Italia, 1858-1923

Andy Thomas, pintor

Andy Thomas, matrimonio entre la historia y el arte

El arte era algo que a Andy Thomas le encantaba hacer, pero no era su profesión. Obtuvo un título en Dirección de Marketing y trabajó en publicidad durante casi dos décadas. Una vez que llegó al nivel de Vicepresidente de Servicios de Marketing de una gran corporación, decidió renunciar y hacer del arte su única y única profesión y profesión.

Su impresionante línea de obras incluye piezas de tinta así como piezas de carbón. También ha hecho algunas esculturas. Debido a que tiene una gran afición por la historia, muchas de sus pinturas y piezas se basan en lugares históricos, con especial énfasis en aquellos que estuvieron involucrados en la Guerra Civil.

Andy Thomas mantiene un estudio casero y un taller. En 1996 hubo una explosión en su taller y el resultado fue una lesión masiva en ambas manos. Intentó acelerar el proceso de curación y se lesionó aún más la mano derecha. Esto, sin embargo, no lo detuvo. Continuó pintando un cuadro de la batalla en Little Big Horn utilizando principalmente su mano izquierda, todavía sana.

Andy Thomas también ha hecho pinturas de los presidentes de los Estados Unidos. Estos representan a muchos Presidentes de EE. UU. de diferentes períodos de tiempo, todos juntos alrededor de la mesa jugando a las cartas. Si bien muchas de estas personas nacieron en generaciones separadas, las representaciones son tan realistas que se podría creer que la pintura fue un evento real que tuvo lugar.

Ese es el énfasis principal de este artista, contar una historia en cada una de las pinturas. Dijo que si la escena que se presenta es un evento real, un momento histórico o una figura ficticia, tiene que contar una historia a la persona que la está viendo. Al contemplar las pinturas que ha ofrecido del Lejano Oeste y los lugares históricos que fueron significativos durante la Guerra Civil, no pueden evitar comenzar a escuchar una historia silenciosa que se cuenta a partir de las pinceladas en el lienzo.

Andy Thomas encontró un gran matrimonio en la historia y el arte. Su interés por la historia y su amor por el arte se fusionaron muy bien para darle una salida para crear belleza para compartir con los muchos seguidores apasionados que aman su trabajo. Su intento de contar historias es muy auténtico, y le da un nuevo significado a la idea de que una imagen vale más que mil palabras. La historia que cada persona le quita a uno de sus cuadros es tan única y diferencial como la interpretación que cada persona deja de leer el mismo libro que los demás. Pinta su historia y luego la ofrece para ser interpretada y disfrutada por todos los que pueden leer entre pinceladas.

Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor
Andy Thomas, pintor

Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930

Carlos Pérez Siquier (Almería, 1930) es considerado uno de los pioneros de la vanguardia fotográfica en España y Premio Nacional de Fotografía en 2003. Es Académico Supernumerario de la Real Academia de Bellas Artes de Nuestra Señora de las Angustias de Granada.

Su obra personal se inicia en los años 50, cuando realizó su primera serie fotográfica en el humilde barrio de La Chanca. Su mirada de interés antropológico registró las costumbres, paisajes y enseres de sus habitantes, reflejando la dignidad de la pobreza en un austero blanco y negro.

Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930
Carlos Pérez Siquier, Almería, 1930

Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939

Isaak Brodsky (1884-1939) es conocido por sus retratos de Lenin y también por pinturas dedicadas a la Guerra Civil Rusa y a la Revolución Bolchevique.

Brodsky nació en Ucrania y estudia en la Academia de Arte de Odesa entre 1896 y 1902 y más tarde, de 1902 a 1908, estudiará en la Academia Imperial de las Artes, en San Petersburgo. En 1916 se unirá a la Sociedad por la Promoción de las Artes. Será el primer pintor galardonado con la Orden de Lenin. De esta época destaca Retrato con una hija (1911) un paisaje que recuerda al simbolismo.

Era coleccionista de arte y donará muchas obras destacadas a museos de Ucrania y de otros lugares. A su muerte, su apartamento de San Petersburgo fue declarado museo nacional.

Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939
Isaak Brodsky, pintor, Ucrania, 1884-1939

Cristóbal Hara, fotógrafo, Madrid, 1946

Fotógrafo de tradición pictórica y cultural española

Cristóbal Hara es un fotógrafo español (nacido en 1946 en Madrid), que en parte por ser hijo de madre alemana y haber pasado mucho tiempo fuera de España, ha tenido interés en “hacer fotografía española, basada en una tradición pictórica y cultural española”.

Su padre pertenecía a una próspera familia española afincada durante generaciones en las Islas Filipinas. Su madre, alemana, murió a los pocos meses de su nacimiento y su padre contrajo segundas nupcias con una norteamericana. Así que Cristóbal pasó su infancia en las Islas Filipinas, Alemania, Estados Unidos y España.

Estudió Derecho y Dirección de Empresas en Madrid, Hamburgo y Múnich. Decidió dedicarse a la fotografía, residiendo en Londres en 1969 tras conocer el trabajo de Henri Cartier-Bresson, por lo que abandonó sus estudios. Su trabajo se exhibió por primera vez en la exposición itinerante Three Photographers, organizada por el Victoria & Albert Museum.

Colaboró con las agencias John Hillelson en Londres y Viva en París. Trasladó su residencia a España en 1980, y posteriormente colaboró con la agencia Cover en Madrid.

Hasta 1985, Hara había trabajado exclusivamente en blanco y negro, pero desde entonces lo hará exclusivamente en color. Quería ser fotoperiodista, pero su interés no era tanto por los temas como por el propio lenguaje fotográfico, lo que le llevó a una crisis que se resolvió en el momento en el que empezó a utilizar el color, evolucionando hacia una dirección en la que las fronteras entre realidad y ficción dejan de ser nítidas.

Sus fotografías han sido publicadas en revistas como Camera, Creative Camera, DU. Aperture, Photovisión y European Photography; así como en las revistas de El País, La Vanguardia y El Semanal.

Está representado por las galerías Marlborough en Madrid y Jacob Witzenhausen, en Ámsterdam.

Su obra está presente, entre otras, en colecciones de instituciones como el Stedelijk Museum de Ámsterdam, Art Institute of ChicagoMuseo Reina Sofía, Madrid y el Victoria & Albert Museum de Londres.

Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo
Cristóbal Hara, fotógrafo

Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965

Alexander Petrosyan nació en Leópolis (Ucrania) en 1965

Alexander Petrosyan nació en Leópolis (Ucrania) en 1965, pero ahora vive y trabaja en San Petersburgo desde hace más de 40 años. Con doce años ya obtuvo su primera cámara como regalo de cumpleaños, y desde entonces, su pasión por la fotografía le ha llevado a ser uno de los mejores fotógrafos de las calles de su ciudad. Tras renunciar y volver a la fotografía en varias ocasiones, en el año 2003 comenzó a trabajar para la revista My District y se convirtió en uno de los fotógrafos profesionales más importantes de Rusia.

Aunque su principal escenario es San Petersburgo, Petrosyan asegura que tiene la suerte de poder viajar y capturar cosas totalmente diferentes a los ambientes de Rusia.

San Petersburgo es quizá una de las ciudades más bonitas y llamativas del mundo. Existen numerosos palacios, canales, puentes o iglesias que fotografiar y conseguir un magnífico trabajo. Sin embargo, el fotógrafo no se queda solo en lo bonito y espectacular de sus calles, sino que trata de buscar el lado más grotesco y oscuro de la ciudad, aquello que resulta invisible para los turistas. Dice que lo más difícil es no repetirse, y que trata de alejarse de sus tradiciones para actualizar su pensamiento de vez en cuando y buscar así el cambio constantemente.

Actualmente trabaja como fotógrafo para Kommersant, un diario ruso con una línea editorial orientada a la política y la economía en el que continua demostrando que hay algo extraordinario en los aspectos más ordinarios de la vida en Rusia. Ahora que su vida es la cámara, afirma que intenta no salir nunca sin ella y sin una batería de reserva para disparar cada detalle que le llame la atención.

Su trabajo ha sido presentado en numerosas publicaciones como Newsweek, National Geographic, GEO, Russian Reporter o Business Petersburg, entre muchos otros. Además, Petrosyan ha ganado numerosos premios por alrededor del mundo. En 2003 ganó la Medalla de Honor en la categoría «fotoperiodismo» por la 25 competencia mundial «Sociedad de Nuevo Diseño» en Siracusa, Nueva York. Dos años consecutivos (2006 y 2007) obtuvo el premio al mejor fotógrafo del año en los premios de San Petersburgo y en 2008 fue el ganador del segundo concurso de toda Rusia «Mi ciudad, una mirada a través de la lente», entre muchos otros.

Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
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Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexande Petrosyan, poeta visual
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Alexander Petrosyan, poeta visual
Alexander Petrosyan, poeta visual
Alexander Petrosyan, poeta visual
Alexander Petrosyan, poeta visual
Alexander Petrosyan, poeta visual
Alexander Petrosyan, poeta visual
Alexander Petrosyan, poeta visual
Alexander Petrosyan, poeta visual
Alexander Petrosyan, poeta visual
Alexander Petrosyan, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Alexander Petrosyan, fotógrafo, Leópolis (Ucrania), 1965
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque, poeta visual
Pitarque (Javier Arcos), poeta visual